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A juventude nunca acaba – “Your name”

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Your name

Já se passaram 7 anos desde que “Your Name” foi lançado, mas Makoto Shinkai ainda não fez um novo anime que possa superar seu próprio pico. Isso também pode ser visto que “Your Name” é suficiente para ser considerado o melhor em tal uma série. Uma das obras. Baixe o youcine e assista ao filme original! Talvez não tenha causado grande tristeza e pesar no coração do público, mas trouxe juventude, choque e emoção para inúmeras pessoas. Vamos dar uma olhada na desconhecida história dos bastidores de “Your name”. Makoto Shinkai fala sobre a criação de “Your Name” Os leitores devem estar familiarizados com Supervisão de Makoto Shinkai. Anitama também apresentou os antecedentes e trabalhos anteriores de Makoto Shinkai em artigos anteriores. Os leitores que perderam podem querer consultá-los. Porém, para apresentar a formação criativa de “Your name”, ainda precisamos seguir Xinhai e fazer uma breve revisão de seus trabalhos anteriores. Makoto Shinkai, que ficou famoso por sua produção independente de animação, não tem experiência em estudar em uma produtora de animação e desde sua estreia vem criando obras baseadas em seus próprios sentimentos. Porém, esta técnica atingiu seu limite em “Cinco Centímetros por Segundo”. Para encontrar um novo caminho, o diretor Shinkai aprendeu as técnicas de criação de histórias e adicionou elementos de drama de aventura em “Children Chasing Stars”. No entanto, embora o Diretor Shinkai se sinta bem consigo mesmo, as respostas recebidas por “Children Chasing Stars” foram em sua maioria negativas. Supervisor Xinhai que passou por contratempos Prestando mais atenção ao enredo, “O Jardim das Palavras” foi cuidadosamente produzido com duração condensada em 46 minutos. Graças à nova versão deste trabalho e aos comerciais animados que produziu para Z Club, Daesung Construction e outras empresas, o diretor Shinkai finalmente ganhou confiança para criar histórias e, em julho de 2014, fundou uma agência de planejamento, que é hoje o grande sucesso. O sucesso “Your name”. O diretor Shinkai, que queria criar uma história sobre a adolescência, pensou em muitos elementos, como os cometas. Outra influência que “Jardim das Palavras” trouxe para ele é que ele está mais inclinado a se referir a obras-primas clássicas. Então o Supervisor Shinkai procurou inspiração no waka e, depois de folheá-lo, viu um waka escrito por Ono Komachi: “Pensar nisso por muito tempo acabará por levar a um sono profundo, e o pensamento entrará no sonho. Se eu soubesse que era um sonho, não teria acordado.” Embora o roteiro tenha sido revisado diversas vezes, o enredo nunca mudou muito desde o primeiro rascunho. Especialmente o final da história foi decidido já no início. O supervisor Xinhai disse que, além desse final, ele não queria fazer nada. Posicionamento do Supervisor Xinhai de “Your name” É um filme puramente de entretenimento. Embora o problema da comunicação entre meninas adolescentes e pessoas que esqueceram sua ignorância das emoções naquela época sempre tenha sido o tema do Supervisor Shinkai, ele não desistirá desse tema. Mas enquanto esse tema não for comprometido, ele pode perseguir plenamente a criação de um filme que irá entreter o público. Entre eles, é um trabalho impecável, um trabalho que não deixou o público entediado por um único minuto nos 107 minutos de duração e serviu ao espírito de serviço para a extensão máxima. Embora muitas pessoas pensem que o Diretor Shinkai sempre soube apenas criar as animações que queria, esta não é a situação real. O diretor Shinkai certamente tem a mentalidade de satisfazer seus próprios desejos criativos, mas desde seu primeiro trabalho teatral “Voice of the Stars”, ele sempre teve a motivação de transmiti-lo a outras pessoas. Cada vez que faz um novo trabalho, ele tenta ao máximo simular a percepção do público em sua mente e no papel: O público vai se sentir entediado? Você ainda pode estar interessado em continuar assistindo, mesmo que não consiga entender o que está acontecendo à sua frente? Após o lançamento de cada trabalho, ele refletirá sobre suas deficiências nesse aspecto. Por exemplo, após o lançamento de “5 Centimeters per Second”, embora algumas pessoas tenham se sentido confortadas depois de assisti-lo, outras disseram que foram duramente atingidas e não iriam assistir uma segunda vez. Esta animação também é conhecida como “filme deprimente”. Certamente é bom que o trabalho possa trazer um toque tão forte às pessoas, mas o Supervisor Xinhai ainda quer transmitir uma mensagem mais ascendente ao público. nos últimos 14 anos A Supervisão Xinhai tem sido constantemente baseada em tentativa e erro. Durante a produção de “Children Chasing Stars” e “The Garden of Words”, ele pedia opiniões de pessoas ao seu redor sobre os roteiros todas as semanas. E “Your Name” fez um trabalho mais minucioso nesse quesito devido à participação de Genki Kawamura, um produtor bastante independente. O supervisor Xinhai e a equipe de produção passaram meio ano reunidos para discutir e revisar o roteiro. Isso fez com que o Supervisor Xinhai sentisse que embora sua essência não tivesse mudado, ele finalmente havia alcançado um objetivo que nunca havia sido alcançado antes. “Your name” é um filme para o público. Desde o início, o Supervisor Shinkai criou conscientemente para públicos que nunca ouviram falar dele. Portanto, ele não considerou se suas técnicas haviam sido utilizadas em filmes anteriores, e dedicou todas as suas melhores habilidades a “Your name”. Ao mesmo tempo, a animação também utiliza técnicas de expressão que o Supervisor Shinkai nunca experimentou. Por exemplo, a sequência de abertura onde os personagens aparecem e posam um após o outro é uma delas. O supervisor Shinkai acredita que aos olhos dos amantes do cinema hardcore, este trabalho é muito difícil em termos de música e ritmo do enredo, e a música tema é cantada por uma banda de rock popular como RADWIMPS, por isso pode não receber muitos elogios. No entanto, ele não hesitou em desistir desses fãs principais e quis conquistar um público mais amplo. Por isso, em “Your name”, o Supervisor Shinkai se esforça para proporcionar o frescor, o excesso e a correria que todo mundo adora. Nesse … Ler mais

Baahubali 2: Um filme com classificações tão altas realmente faz jus à sua reputação?

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Baahubali 2

“Baahubali 2: The Conclusão” é dirigido por SS Rajamouli, escrito por Vijayendra Prasad e estrelado por Prabhas, Ramya Krishnan, Rana Daggubati, Anu Um filme de guerra indiano estrelado por Shukar Shetty e Sesyaraj. Baixe o youcine e assista ao filme original. O filme recebeu grande aclamação após seu lançamento na Índia no ano passado. Arrecadou um total de 1,7 bilhão de yuans em bilheteria global, quebrando vários recordes de bilheteria e se tornando um dos filmes de maior bilheteria da história do cinema indiano. excelentes valores Pode-se perceber no filme que tudo o que os criadores desejam expressar são coisas positivas, como bravura, justiça, felicidade, como pessoas boas obtendo bons resultados, pessoas más recebendo más retribuições, etc. Portanto, pode-se dizer que o personagem “Baahubali” é um personagem representativo dos filmes indianos que o criador deseja exibir. Ele pode representar um pequeno grupo de pessoas ou um tipo de pessoas em todo o país da Índia., pode até mesmo pode-se dizer que ele é na verdade uma expressão do anseio de todo o índio por uma vida melhor. Imaginação desenfreada As cenas de guerra e luta do filme estão repletas de todos os tipos de ideias imaginativas e o efeito de visualização é realmente agradável. Por exemplo, quando os bárbaros invadiram, Baahubali dirigiu sozinho a formação do touro de fogo e também usou o poder do gado para abrir o portão do reservatório e lavar o inimigo; por exemplo, o belo barco cisne navegando no mar de nuvens , cada quadro pode ser usado como papel de parede; Por exemplo, quando o príncipe retorna para se vingar, de frente para o imponente portão da cidade, eles usam a elasticidade da árvore para pisar na árvore e girar 360 graus, e são possuídos por sua armadura e escudo e são jogados na cidade do palácio pelo árvore. O design dessas cenas adiciona uma forte cor de fantasia oriental a todo o filme. Dedicação do ator Prabhas, o ator que interpreta Baahubali, não filma nenhum outro filme há quatro anos para este filme e também está se mantendo em forma para este filme. Esse tipo de profissionalismo quase o tornou um ator da vida real em Hyderabad. herói. Quem já se exercitou sabe como é difícil ganhar músculos e manter a forma. Por trás dos quatro anos de manutenção da forma, podemos ver o trabalho árduo que os atores fizeram para o filme. Por causa disso, podemos apreciar aquelas cenas de luta poderosas. Excelente produção O filme tem cenas lindas, e duas cenas clássicas são imperdíveis: Uma é o canto e a dança do barco cisne. Embora sempre me lembre da dança estranha no final de “Kung Fu Yoga”, essa dança é combinada com efeitos especiais requintados.A cena dos protagonistas masculinos e femininos dançando nas nuvens é realmente adequada como papel de parede. Uma é a cena final da luta entre tio e sobrinho. Os dois tiraram a armadura para revelar seus músculos fortes. Eles mostraram a beleza da força bruta no martelo e no punho de ferro, e suas poses de luta também eram muito vistosas. Muitas reclamações-Baahubali Algumas cenas que não podem ser explicadas por mitos Por exemplo, o cabelo do protagonista masculino está sempre voando. Essa estética de virar o cabelo e parecer descolado era comum nos filmes da década de 1990, mas o público de hoje não aceita essa ideia. Por exemplo, todo mundo parece ter olhos na nuca. Ao ser sitiada, a heroína chutou o ladrão que estava na sua frente em um segundo, e no segundo seguinte ela levantou a mão e brandiu a espada para bloquear o ataque por trás (sem sequer se preocupar em olhar para trás); após o herói atirar flecha para repelir o inimigo à sua frente, ele não hesitou em atacá-lo. Três flechas foram disparadas atrás dele, matando três deles. Até o tio Kattappa havia adquirido essa habilidade. Baahubali chamou o tio e levantou a mão para pegar a espada que vinha dele sem sequer olhar. Por exemplo, quando Baahubali derrubou uma grande árvore com sua espada e derrubou todos os bandidos, apenas o tio Kattappa ficou parado no meio da árvore, são e salvo. Por exemplo, ao acompanhar o primo da princesa para atirar em javalis, por melhores que fossem as habilidades de tiro com arco de seu primo, Baahubali poderia calibrá-lo com apenas um toque de sua mão atrás dele? Você também consegue prever a direção da flecha que atinge o oponente e atinge o javali? Por exemplo, o portão do reservatório pode ser facilmente aberto com a ajuda do poder de duas vacas. Acontece que a construção do tofu existia nos tempos antigos. Por exemplo, para escoltar a rainha-mãe para fora do palácio, Khakipa desmontou todo o portão como uma barreira e bloqueou sozinha todos os guardas. Posso aceitar que o protagonista masculino nasça com poderes sobrenaturais, mas que diabos é aquele velho Khakipa que de repente se parece com o Popeye que comia espinafre? Senti profundamente que minha inteligência estava sendo derrubada e devastada pelo diretor. E quando vi Baahubali voando por trás da princesa e atirando três flechas em uma saraivada, além de uma mistura de seis flechas perfurando o coração e várias poses, finalmente soltei um uivo desesperado involuntariamente. Lacunas lógicas que colocam a carroça na frente dos bois Algumas pessoas dizem que isso é um conto de fadas, então não se enrede muito. Mas não importa qual seja a história, ela deve ter lógica e racionalidade básicas, e o resultado deve ser deduzido com base nas condições. Mas neste filme, trata-se mais de atingir um determinado objetivo e, assim, reverter o processo para torná-lo forçosamente razoável. Por exemplo, a princesa Devasana deve caminhar três vezes ao redor da estátua de Shiva com um braseiro na cabeça e os pés descalços. O segredo é não parar. Então o vilão queimou a única ponte no caminho a seguir. Para permitir que a princesa avançasse sem problemas, o roteirista pediu ao tio e ao sobrinho que estavam … Ler mais

O Capitão América também merece ser chamado de herói?

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Capitão América

Sempre gostei da Marvel, mas os únicos filmes da Marvel que Luoxue realmente consegue lembrar do fundo do coração são a versão de Tobey da trilogia “Homem-Aranha” e “Capitão América: Guerra Civil” no atual Universo Cinematográfico da Marvel. Baixe o youcine, mergulhe no filme e assista a história completa. No Universo Cinematográfico Marvel de hoje, este filme não é aquele com maior audiência ou maior bilheteria, mas é o favorito de Luo Xue. Porque pela primeira vez, este filme tira o casaco justo e brilhante do Capitão América, deixando apenas a hipocrisia, o egoísmo e a falta de vergonha. Além do mais, este filme é a primeira e única vez em todo o universo Marvel que começa a explorar a questão da supervisão do poder e a examinar todos os comportamentos dos super-heróis da perspectiva das pessoas comuns. Pode-se dizer que “Capitão América 3” é o filme mais instigante de todo o Universo Cinematográfico Marvel, mas também é o filme mais irritante. Porque a ideologia Juche de um determinado país mostrada através do Capitão América no filme é realmente nojenta. Há dois dias, escrevi um tweet por capricho sobre como a maioria dos heróis do Universo Cinematográfico Marvel não são dignos de serem chamados de heróis. O resultado foi uma forte discussão. Algumas pessoas justificaram e outras defenderam. Eu sou Estou muito feliz por ter essa discussão, mas também fico triste por algumas pessoas que só sabem amaldiçoar, então hoje falarei sobre “Capitão América: Guerra Civil” e vamos descobrir a hipocrisia e o egoísmo sob o manto justo do Capitão América. Ele é tão nojento, tão fisicamente desconfortável! A tristeza das pessoas comuns Quando o Batman quis destruir o Superman, Luo Xue não entendeu muito bem na época, afinal, o Superman também estava lutando pelas pessoas comuns. Mas olhando para trás agora, você descobrirá que todos se colocam na perspectiva dos heróis, mas alguém já pensou na tristeza das pessoas comuns? Em um mundo de super-heróis, as pessoas comuns são apenas uma série de números, apenas uma ferramenta para os heróis alcançarem a fama.Quem pode ver o problema da perspectiva das pessoas comuns? As pessoas que perderam a vida na batalha de Nova York em “Vingadores 1”, bem como as pessoas comuns afetadas em “Capitão América 2”, as pessoas que perderam a vida em “Vingadores 2” e as pessoas que perderam a vida em “Capitão América 3” Alguém se importa com aqueles que morreram acidentalmente durante a captura de Hydra? Não! Eles são apenas um monte de números, e são apenas pessoas que o Capitão América diz que não deveriam estar muito enredadas para salvar melhor as pessoas da próxima vez. Então, o que os super-heróis estão salvando? Quem decide quem merece ser sacrificado? A negra do início de “Capitão América 3” disse: “Você acha que está lutando por nós? Você só está lutando por si mesmo. Quem pode vir vingar meu filho?” Super-heróis criam problemas, eliminam problemas e, finalmente, tornam-se heróis e chamam a atenção do público, mas o que as pessoas comuns ganham com essa farsa? Depois de ficarem assustados, sofrerem perdas e perderem familiares, as pessoas comuns não ganharam nada, e até perderam tudo por causa disso, mas no final conseguiram o instigador. Não é irônico? Em “Homem de Ferro 1”, “Homem de Ferro 3” e “Vingadores 2”, Tony criou três grandes vilões sozinho. No final, ele destruiu os vilões e se tornou um herói. Mas e as pessoas comuns? Alguém já pensou em sua perda? Não! Porque ainda estão satisfeitos por terem salvado o mundo e também torcem por se tornarem heróis nacionais. Somente as pessoas feridas estão imersas em uma dor sem fim. Quando a tragédia não se abateu sobre eles, o Capitão América confortou a autoculpada Feiticeira Escarlate em “Capitão América 3” e disse: “Sempre trabalhamos duro para salvar o maior número de pessoas possível, mas às vezes não podemos salvar a todos. não puder aceitar isso, então talvez você não consiga salvar ninguém da próxima vez.” Porém, quando a tragédia se abateu sobre ele, ele não estava mais calmo. Por que não pensou nisso e parou de se culpar se não conseguiu salvá-lo? Como Thanos estalou os dedos em “Vingadores 3”, o Capitão América, que perdeu seu amigo em “Vingadores 4”, ficou deprimido e foi a um clube de ajuda mútua para compensar seu trauma espiritual. Hawkeye perdeu sua família e se tornou um “vigilante sanguinário” no Japão. Por que eles podem ser indiferentes às pessoas comuns e à vida quando são “supostas pessoas salvadoras”, mas quando estão profundamente envolvidos nisso, têm uma atitude completamente diferente. Quão humildes são as pessoas comuns e quão indignas de serem valorizadas elas são ?, e que padrões duplos os heróis têm? Egoísmo de super-herói Quando postei meu último tweet, muitas pessoas estavam dizendo que se não existissem mais super-heróis, quem estaria lá para proteger as pessoas no mundo do cinema? Se não, está certo! Porque as pessoas comuns finalmente não precisam sofrer para alcançar a reputação de heróis. Por que alguém pensaria que se o Superman não vier à Terra, o General Zod virá à Terra? O cerne do filme “Capitão América: Guerra Civil” é, na verdade, a discussão sobre a regulação do poder. Como Tony fez muitas coisas erradas e sofreu repreensão de consciência, em “Capitão América 3” o Homem de Ferro defendeu ativamente o fortalecimento da supervisão dos heróis, enquanto o Capitão América usou vários motivos não positivos no processo. Algumas pessoas dizem que ele não confia no governo porque teme que o governo tenha sido infiltrado. errado! “Capitão América 3” afirma claramente que os “Acordos de Sokovia” que eles querem assinar não são para ordenar que façam nada e tratá-los como armas do governo, mas “todas as ações devem ser supervisionadas por uma equipe especializada das Nações Unidas, e somente a Ação pode só será realizada quando a equipe especializada julgar necessária.” Por outras palavras, alguém os supervisionará e avaliará as suas acções, mas não lhes ordenará directamente nada. Além disso, não … Ler mais

O nível clássico do filme de suspense “Órfão” pode ser chamado de teto dos dramas de suspense 2024

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Órfão

O filme “Órfão” é um thriller psicológico lançado em 2009, O nome em inglês é Orphan. Dirigido por Patricia Rekin e estrelado por Peter Salmon e Elizabeth Sheayo. O filme acompanha a chegada de uma misteriosa menina órfã e as horríveis revelações das maldades de sua família. O filme recebeu grande aclamação da crítica e se tornou um clássico dos dramas de suspense. Para assistir ao filme completo, baixe o youcine e leve o mais recente home theater para casa. A história começa com um casal que perdeu o filho Kate e John, que decidem adotar uma criança para preencher um vazio em suas vidas. Eles escolheram Esther, de 9 anos, uma órfã da Rússia. Porém, com o passar do tempo, acontecimentos estranhos começam a acontecer em torno de Esther. Kate suspeita que Esther não seja a criança que afirma ser e começa a investigar seu passado. Ela gradualmente descobre o terrível segredo de Esther, descobrindo que ela não é apenas uma mentirosa perigosa, mas também uma assassina implacável. O clímax do filme gira em torno dos esforços de Kate para descobrir a verdadeira identidade de Esther e proteger sua família do perigo. Esta batalha psicológica leva Kate ao seu limite, pois ela deve superar sua própria situação para salvar sua família. “Orphan” mergulha o público em um drama psicológico tenso, criando uma atmosfera de tensão e desconforto. O comportamento misterioso de Esther e a investigação de Kate perturbam o público e acrescentam profundidade à trama. Atores como Elizabeth Sheeyo e Elena Paley apresentam atuações excepcionais no filme, transmitindo com sucesso a complexidade e os conflitos emocionais de seus personagens com suas habilidades de atuação. As reviravoltas e revelações do filme deixam o público chocado, e a verdadeira identidade de Esther e as motivações por trás de suas ações são de cair o queixo. O filme usa efeitos visuais e linguagem de lente para realçar a atmosfera aterrorizante, especialmente nas cenas principais, deixando o público inquieto e nervoso. Mais do que um thriller psicológico, o filme explora temas de relações familiares, perdas e vingança. O papel de Kate como mãe também é profundamente testado no filme. Questões levantadas por “Órfão’s Revenge” “Orphan” oferece reflexões perspicazes sobre questões de família, saúde mental e abuso. O filme mostra uma família aparentemente feliz ameaçada por uma criança instável, destacando a importância das responsabilidades de educação e tutela. Além disso, o filme explora as causas e efeitos do mal psicológico, enfatizando a gravidade dos problemas de saúde mental. Em última análise, o filme transmite uma mensagem importante ao público: a necessidade de atenção e apoio nas famílias e na sociedade para indivíduos que sofrem de sofrimento psicológico. No geral, o filme Órfão é um thriller psicológico tenso conhecido por seu elenco estelar, reviravoltas surpreendentes na trama e visuais aterrorizantes. O filme explora as relações familiares, a saúde mental e o abuso através de uma complexa história familiar, proporcionando uma experiência de visualização instigante. Criação de atmosfera O filme “Órfão” é famoso por sua atmosfera cuidadosamente construída e, por meio de uma série de técnicas e elementos, traz com sucesso o público ao mundo tenso, inquieto e assustador do thriller psicológico. A música do filme conta com uma trilha musical única, cheia de tensão e notas inquietantes. Os efeitos sonoros também são usados ​​de forma inteligente, como o rugido de um grande tubarão branco, o som do vento e ruídos estranhos, para aumentar a sensação de medo do público. O filme usa múltiplas linguagens de lentes Como edição rápida, close-ups, movimentos de câmera, etc. Essas técnicas criam uma sensação de tensão e envolvem o público mais profundamente na trama. Através de efeitos visuais, o filme adiciona um elemento de terror. Por exemplo, efeitos visuais em momentos importantes, como cortes rápidos de tela e alucinações visuais, aumentam a sensação de desconforto. O tom do filme tende para tons escuros e frios Intensifica sentimentos de desconforto e tensão. Essa escolha de cores faz com que o espectador sinta frio, sozinho e assustado. Imagens de alto contraste criam imagens nítidas e aumentam a tensão. O contraste entre escuridão e luz faz com que a trama se destaque ainda mais. Grande parte do filme se passa em uma casa grande e isolada e na floresta ao redor. Este ambiente isolado aumenta a sensação de desamparo do protagonista e fornece um cenário ideal para elementos de terror. Há algumas cenas do filme que acontecem em caminhos e florestas escuras, locais que aumentam a tensão do público e parecem esconder o perigo. Ester é a personagem central do filme Há um claro contraste entre sua aparência e comportamento e sua verdadeira natureza. Essa configuração de personagem aumenta a sensação de desconfiança e tensão do público. O excelente desempenho de Elizabeth Sheeyou faz de sua personagem Kate uma substituta do público, permitindo que o público sinta a tensão e o desconforto através de sua perspectiva. O filme revela o comportamento horrível de Esther e sua psicologia mórbida através de um drama psicológico. O público aprende gradualmente quem realmente é Esther, o que aumenta a tensão. O filme também explora as tensões e complicações emocionais dentro da família, o que aumenta a tensão e a ressonância emocional para o público. Existem várias reviravoltas inesperadas no filme que deixam o público chocado e nervoso. Esses momentos aumentam a rigidez da trama. O clímax do filme é tenso e o público vivencia uma crise de vida ou morte com o protagonista, o que aumenta o investimento emocional do público. Em geral, o filme “Órfão” criou com sucesso uma atmosfera tensa, inquietante e aterrorizante através de várias técnicas e elementos, como design de som, habilidades fotográficas, iluminação e cor, layout de cena, criação de personagens, elementos de terror psicológico e reviravoltas na trama. O público passa por uma jornada psicológica aterrorizante no filme, ao mesmo tempo em que reflete sobre as relações familiares e questões de saúde mental. Essas técnicas de construção de atmosfera tornam o filme um thriller psicológico impressionante que o público adora.

O clássico O Diário da Princesa está sendo reiniciado!

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O Diário da Princesa

A Disney está finalmente reiniciando O Diário da Princesa 3, 18 anos após o último filme da série! Assista a filmes clássicos no YouCine! O YouCine geralmente oferece qualidade de transmissão de vídeo HD para garantir que os usuários possam desfrutar de uma experiência de visualização nítida e de alta qualidade. O retorno da série O Diário da Princesa Pensando no lançamento de O Diário da Princesa em 2001, ele já foi o sucesso do ano, seguido por O Diário da Princesa 2 em 2004, que continuou a história e a atenção de seu antecessor e deu início a uma série clássica e moderna de contos de fadas. Mas, na década que se seguiu, não houve uma continuação desse doce conto de fadas, mesmo com a expectativa de inúmeros fãs em todo o mundo. O veterano diretor Gary Marshall (Pretty Woman), que criou os dois primeiros episódios da série, mencionou sua expectativa de fazer O Diário da Princesa 3 em uma entrevista à imprensa em março de 2016. Infelizmente, porém, o idoso Marshall faleceu naquele ano devido a complicações de uma pneumonia. Atualmente, a série de comédia, que foi lançada em 2001, não apenas fez seu nome com Anne Hathaway, mas também se saiu muito bem nas bilheterias (os dois primeiros filmes arrecadaram US$ 300 milhões). E quanto ao próximo O Diário da Princesa 3, Hathaway, 40 anos, diz que continuará a interpretar a Princesa Mia se o roteiro estiver à altura. Anne Hathaway ainda está em ótima forma aos 40 anos na foto de fora do círculo deste ano. Não só isso, mas Julie Andrews, que interpreta a Rainha, e os rostos antigos que apareceram nos dois primeiros filmes também devem retornar com força total. Afinal, a Disney Pictures não está usando o nome “The Princess Diaries” para refilmar um filme antigo, mas sim para continuar a história do segundo filme e continuar a escrever o diário pessoal da princesa Mia. A série O Diário da Princesa é baseada no romance homônimo da autora Meg Cabot, que foi publicado em 2000 e se tornou um grande sucesso entre os leitores. Como o enredo e os traços de caráter dos romances se encaixavam naturalmente em uma produção da Disney, esta logo comprou os direitos para uma adaptação cinematográfica. O primeiro filme se passa em São Francisco e apresenta Mia, uma aluna do ensino médio com aparelho nos dentes e óculos de aro preto, que é praticamente invisível na escola e frequentemente ignorada. O pior de tudo é que ela pode até fugir de um discurso devido a um ataque de pânico. Mia não vê o pai desde criança e só sabe pela mãe, que é pintora autônoma, que ele estava longe, na Europa, até falecer inesperadamente há dois meses. Por causa disso, a vida de Mia está prestes a mudar radicalmente. Julie Andrews interpreta a Rainha do Reino de Genóvia que, para manter seu reinado, precisa encontrar sua neta, Mia, e fazer com que ela aceite sua condição de princesa e herdeira do trono. Assim, quando Mia encontra sua avó na majestosa e luxuosa embaixada de Genóvia e descobre sua verdadeira identidade, ela fica atônita com a verdade. Afinal de contas, é muito conto de fadas esperar que o título de princesa caia do céu! Embora o título real permita que ela viva o resto de sua vida como uma pessoa de alta classe, isso também significa que ela perderá sua privacidade e liberdade, e será forçada a passar pela burocracia diária sem nunca mais desfrutar de sua liberdade. Crescimento e evolução do personagem O primeiro livro da série O Diário da Princesa trata da decisão de Mia de se tornar uma princesa. Essa jovem colegial precisa aprender a reconhecer a amizade e o amor diante das tentações do poder, da busca pela autoestima e da responsabilidade inescapável de se conhecer novamente. Na sequência de 2004, O Diário da Princesa 2, Mia, uma universitária, está prestes a enfrentar um novo desafio: sua avó, Clarisse, está prestes a deixar oficialmente o cargo de rainha e passar o trono para a princesa Mia. O processo aparentemente simples de passar o trono não é isento de complicações, pois Chris Pine (Star Trek) interpreta Nicholas, um membro da família real que também tem o poder de herdar o trono e que, como nobre nativo de Genóvia, é mais popular do que Mia. A única maneira de uma sucessão tranquila é Mia consumar seu casamento em um mês. Hathaway e Pine em sua juventude Mia é forçada a ir a um encontro às cegas e se apaixona por um aristocrata inglês. Enquanto isso, um rival, Nicholas, encanta o coração de Mia, e os dois vivem uma hilária história de amor. De acordo com o desenvolvimento convencional da trama, Nicholas deve desistir do trono e se casar com Mia, o que, por um lado, satisfaz o amor e, por outro, também satisfaz Mia. Mas, surpreendentemente, no dia do casamento, Mia rejeitou corajosamente o compromisso do “casamento pelo trono” e disse que, independentemente de ser princesa ou rainha, o casamento não deveria ser um sacrifício pelo trono. Embora Mia e Nicholas tenham acabado ficando juntos, Mia existe como indivíduo. Nos primeiros anos de sua carreira, o público ainda tinha uma imagem semelhante de Hathaway como Princesa Mia na tela, do tipo Cinderela Encantada. Como a editora de moda em A Rainha Veste Prada, a Mulher-Gato em Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge, Jane Austen em Becoming Jane Austen e a cientista em Star Trek Beyond, a capacidade de Hathaway de lidar com diferentes papéis é evidente. Em retrospecto, quando assistimos a O Diário da Princesa em detalhes, percebemos que Hathaway como Princesa Mia é tão encantadora, e a interpretação de Hathaway da Princesa Mia é tão adorável. A qualidade que mais chama a atenção na Princesa Mia é sua aparência despretensiosa e desajeitada na vida cotidiana. Entretanto, quando a estilista cuida dela, alisando seu cabelo e arrumando suas sobrancelhas, Mia, como uma jovem que nunca sai … Ler mais

American Fiction Sátira engraçada

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American Fiction

American Fiction: Uma sátira sobre raça e mídia O Thelonious “Monk” Ellison, de Jeffrey Wright, vai longe demais no início de American Fiction, um filme agradável que agrada ao público e satiriza a raça, a mídia, artistas, políticas de identidade e até mesmo Hollywood é engraçado e inteligente. Assista a filmes no YouCine! O YouCine é uma plataforma abrangente de streaming de vídeo on-line que oferece aos espectadores uma ampla variedade de filmes e programas de TV, além de recursos como interação social e recomendações personalizadas para aprimorar a experiência de entretenimento do usuário. American Fiction Monk é um artista desiludido clássico, um professor e escritor que escreve o tipo de histórias literárias que ele quer ver no mundo. Ele não estava interessado em raça, ou pelo menos no tipo de “pornografia da miséria negra” que parecia estar em toda parte, seja em anúncios do Mês da História Negra na TV ou em conferências de livros. Dilemas morais e lutas internas O livro mais recente que o enfureceu foi We Live in the Ghetto (Vivemos no Gueto), de uma mulher negra confortável de classe média alta (Issa Rae), que foi entrevistada sobre a frustração que sentiu ao trabalhar em uma agência literária depois da faculdade porque não via histórias sobre “seu povo”. Mas, por mais exploradoras e humilhantes que sejam, essas são as mesmas pessoas que conseguem contratos de livros, fazem vendas, atraem grandes multidões em eventos de livros e conseguem contratos de filmes. O livro de Monk, por mais inteligente que fosse, não teve sucesso – até uma noite de bebedeira, quando ele escreveu uma paródia de um romance negro que odiava sob um pseudônimo que, de repente, causou sensação. Cord Jefferson, em sua estreia na direção, estabelece imediatamente o tom do filme em uma cena em que uma garota branca se irrita com Monk por escrever uma determinada palavra (todas as sete letras) em um quadro negro. “Com todo o respeito, Britney, eu superei isso. Tenho certeza de que você também pode”, diz ele. Enquanto ela luta, Jefferson corta para um close-up de Wright rosnando, depois corta rapidamente para a saída de Britney. Ouvimos Monk perguntar com raiva aos demais alunos ao fundo se eles realmente querem falar sobre leitura. Monk não é bobo e parece não conseguir dizer o que sente em nenhum momento, mas ele também incomoda muitas pessoas. Momentos depois, ele se encontra em Boston em um feriado desnecessariamente obrigatório com sua família: a mãe Agnes (Leslie Uggams), a irmã Lisa (Tracee Ellis Ross) e o irmão Cliff (Sterling Brown). Relacionamentos familiares complexos Essa família em American Fiction é complexa e está lutando – quem não está? – mas não da maneira que os romances desagradáveis de Monk sempre parecem querer que as famílias negras sejam. Lisa é uma médica da Planned Parenthood que tenta se recuperar de um divórcio e cuidar de sua mãe que se deteriora rapidamente. Cliff também é médico, um cirurgião plástico que descobre que gosta de homens depois de se casar com uma mulher. Os dois ficam com traumas persistentes por causa da morte de seus pais e se preocupam com dinheiro e com a forma de cuidar de suas mães. Uma sátira à literatura e a Hollywood American Fiction Jefferson adaptou a história de Erasure, de Percival Everett, que ainda é relevante 20 anos depois. Ele despacha pessoas brancas, especialmente de forma apoplética, para gritar suas ideias sobre histórias reais de negros, como a agente literária Paula Bateman (Miriam Shore) e o cineasta Willie (um Adam Brody muito engraçado, cujo personagem pode ser uma continuação espiritual de seu assistente de “Obrigado por Fumar”). Willie está atualmente trabalhando em um filme chamado Plantation Annihilation (Aniquilação da plantação), no qual os fantasmas dos escravos se enfurecem em uma fúria assassina. Embora não seja exatamente sutil, também não é exatamente simplista – não tenho certeza de que o filme realmente diminua o tom do personagem de Rae em particular, para grande desgosto de Monk (e nosso). Mesmo assim, não é surpresa que American Fiction tenha ganhado o prêmio People’s Choice Award no Festival de Cinema de Toronto. É um filme muito agradável de assistir, desprovido de brilho ou pretensão, confiando em seu roteiro afiado e no elenco talentoso e carismático para levar o público. Wright é particularmente agradável no centro de tudo, enquanto navega em um novo relacionamento e nas consequências de suas mentiras e até onde está disposto a ir.

Argylle: ação ultrassecreta encontra o círculo interno

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Argylle

Argylle é, sem dúvida, uma obra cinematográfica fascinante entre muitas outras. Ele não só apresenta conflitos intensos e cenas de ação empolgantes, mas também linhas profundamente emocionais e relações complexas entre os personagens. O filme permite que os espectadores desfrutem de um banquete visual enquanto nos leva a explorar o complexo entrelaçamento de poder, moralidade e natureza humana. Assista aos filmes da Argylle no YouCine! O YouCine é uma plataforma abrangente de streaming de vídeo on-line que oferece aos espectadores uma ampla variedade de filmes e programas de TV, além de recursos como interação social e recomendações personalizadas para aprimorar a experiência de entretenimento do usuário. Ação ultra-secreta e luta interior     O enredo do filme de Argylle é firme e envolvente. Desde o início, somos apresentados às operações ultrassecretas de Argylle, um agente misterioso. Ele é atlético, tem raciocínio rápido e sempre consegue transformar uma crise em uma crise no momento crucial. Mas, à medida que a trama avança, percebemos gradualmente que as ações de Argyle nem sempre são éticas. Ele questiona constantemente seu mundo interior enquanto realiza suas missões.     As relações entre os personagens do filme são igualmente complexas. O relacionamento entre Argyle e seus superiores e colegas é repleto de confiança e traição. Esse relacionamento intrincado não apenas aumenta a tensão da trama, mas também nos faz pensar mais profundamente sobre poder, amizade e traição. Uma apresentação visual da cidade moderna     Além disso, Argylle também mostra a prosperidade e a indiferença das cidades modernas por meio de efeitos visuais delicados e habilidades fotográficas. Seja em uma tomada aérea de um arranha-céu ou em uma cena de perseguição de carro no final de uma rua, isso nos dá uma sensação de frieza e alienação do mundo. Esse efeito visual, combinado com a profundidade do enredo, confere ao filme um estilo artístico único.   No geral, Argylle é um filme cheio de ação, emocionante e emocionalmente profundo. Ele nos dá um vislumbre das complexidades de uma cidade moderna e das profundas lutas da humanidade sob a perspectiva de um agente. Esse filme não apenas nos proporciona um deleite visual, mas também nos leva a uma revelação espiritual. Argylle: ação secreta e dúvidas morais     Argylle é, sem dúvida, um dos filmes mais marcantes entre os últimos lançamentos. O filme despertou ampla atenção e discussão com seu enredo tenso e empolgante, relações complexas entre os personagens e temas profundos. Como crítico de cinema veterano, tive a sorte de assistir ao filme e escrever esta resenha sobre ele.      Em primeiro lugar, com relação ao enredo, Argylle é bem amarrado e envolvente. O filme mostra uma emocionante operação ultrassecreta do ponto de vista de Argylle, um agente misterioso. Argylle é rápido e perspicaz, sempre capaz de transformar uma crise em uma crise. Entretanto, à medida que a trama se desenvolve, descobrimos gradualmente que as ações de Argyle nem sempre são éticas. Enquanto cumpre sua missão, ele questiona constantemente seu mundo interior, explorando o complexo entrelaçamento de poder, moralidade e natureza humana.     Em segundo lugar, a complexidade dos relacionamentos dos personagens também é um destaque do filme. O relacionamento de Argyle com seus superiores, colegas e inimigos é repleto de confiança e traição. Esse relacionamento intrincado não só aumenta a tensão da trama, mas também nos faz pensar mais profundamente sobre poder, amizade e traição. Os emaranhados emocionais e os conflitos entre esses personagens acrescentam mais camadas e profundidade ao filme.      Além disso, Argylle também mostra a prosperidade e a indiferença das cidades modernas por meio de efeitos visuais e técnicas de fotografia delicados. As tomadas aéreas de arranha-céus nos fazem sentir a frieza e a alienação do mundo; as perseguições de carro nas ruas nos fazem sentir a tensão e a empolgação da cidade moderna. Essa combinação de efeitos visuais e profundidade do enredo confere ao filme um estilo artístico único. Enfrentando desafios morais      Em termos de avaliação geral, Argylle é, sem dúvida, um filme cheio de ação e emocionalmente profundo. Ele nos dá um vislumbre das complexidades da cidade moderna e das lutas profundas da natureza humana sob a perspectiva de um agente. O filme não apenas nos proporciona um deleite visual, mas também nos leva a uma revelação espiritual.      Ao mesmo tempo, “Argylle” também levanta algumas questões sobre as quais vale a pena refletir. Por exemplo, como podemos manter nossa base moral e manter a cabeça fria ao enfrentar situações complexas e mutáveis e inimigos esquivos? Como podemos buscar a verdade e a justiça sem perder a vigilância e a autoproteção contra o poder? Essas perguntas não se aplicam apenas aos personagens do filme, mas também desafiam nossas escolhas e decisões na vida real.     Em suma, Argylle é uma obra cinematográfica que vale a pena. Despertou amplo interesse e discussão com seu enredo tenso, relações complexas entre os personagens e temas profundos. Seja você um fã de filmes de ação ou um espectador interessado em explorar a natureza humana, você pode encontrar sua própria diversão e revelação nesse filme.

Robot Dream Perdi meu amigo robô

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Robot Dream

Assista a filmes de animação no YouCine! O YouCine é uma plataforma de filmes atraente que oferece uma ampla gama de recursos atraentes que facilitam aos usuários assistir a todos os tipos de filmes, sejam eles clássicos ou os mais recentes sucessos de bilheteria. A solidão moderna e a busca por companhia Robot Dream é um filme que pertence ao presente. À medida que a existência das pessoas se torna cada vez mais atomizada, não é como o cachorro do filme que vive sozinho em um apartamento em Nova York? Ele liga a TV na hora do jantar, mas o conteúdo da TV é entediante, e a tela da TV, quando desligada, pode refletir apenas a sua figura. Quando o mensageiro entrega o robô que encomendou, ele já destrancou a porta antes de a pessoa bater. Ele estava tão feliz e ansioso porque estava sempre sozinho e a solidão o deixava tão ansioso por um novo amigo. Como esse robô é legal, ele é tão bom em aprender (superinteligente, é claro), dá uma olhada nos movimentos do cachorro e logo está fazendo uma dança de patinação com o cachorro (inveja por um segundo) e atraindo espectadores do resto do parque (os introvertidos às vezes gostam de ser admirados e receber atenção, você sabe). O calor e o desafio da amizade entre espécies em Robot Dream Por outro lado, esse robô também pode comer. Essa configuração melhora a funcionalidade dos robôs companheiros. Nos desenhos animados anteriores, o robô era um corpo de aço, portanto, é claro que ele não precisava comer ou beber, mas tinha uma pontada de curiosidade sobre a comida humana. Esse robô, no entanto, resolve esse dilema imediatamente. O ato de comer juntos aumenta muito o desejo do proprietário de compartilhar e obter mais felicidade. Se você e seu amigo sempre não podem comer juntos, o que você gosta e ele odeia, é meio chato, certo? Ter amigos que gostam de comer juntos ainda é algo que merece ser valorizado! Embora os robôs estejam disponíveis atualmente com inteligência limitada e não sejam um produto de consumo que as pessoas comuns e as famílias possam ter, temos quase certeza de que os robôs de companhia são um produto inevitável do desenvolvimento social e que há uma grande demanda por eles nos tempos modernos. Reflexões sobre a sociedade moderna O filme Robot Dream apresenta um robô inteligente que se encaixa quase perfeitamente em nossa imaginação e em nossas necessidades. Ele é flexível, esperto, compreensivo, curioso, sem noção e não faz exigências obsessivo-compulsivas a você. É tão feliz e simples que até pega na sua mão e passa protetor solar em você. Ele não fica entediado, é um amigo leal que quer estar por perto o tempo todo e é um modelo para a comunidade de amigos. O filme Robot Dream trata de sonhos, e esse robô é um sonho extremamente feliz e seguro que os criadores construíram para o público. A cena em que o cão e o robô estão vivendo juntos é um futuro que ficamos felizes em imaginar. Portanto, no momento em que o robô se deita na praia e não consegue se levantar, o cão fica incrivelmente triste. Naquele momento, as duas figuras estão tão sozinhas nas fotos de seus melhores amigos sendo separados. Quando o cão tenta ir à praia para encontrar o robô com sua caixa de ferramentas, a praia está fechada e ele não consegue entrar. Quando ele compra um alicate grande para abrir a corrente da fechadura, é visto pela segurança e acaba sendo levado para a delegacia de polícia. Ele terá que esperar até que a praia abra novamente no próximo verão para entrar e encontrar seu robô. É triste. Como eu vivo na cidade. É muito difícil ter um amigo e se afastar dele por um motivo ou outro. As pessoas modernas têm medo de ficar sozinhas e, ao mesmo tempo, têm medo de estar ocupadas. Elas querem ser compreendidas, mas também querem manter distância. É uma contradição. A persistência e a mudança das emoções O lado bom do Robot Dream é que um cão não tem emoções tão complexas. Ele precisa de amigos e, na ausência de robôs, ele se depara com bonecos de neve, com a senhorita Duck e com estranhos cheios de malícia novamente. A alegria está lá, mas a conexão com os outros parece se desfazer de uma hora para outra. O robô deixado na praia não estava completamente inconsciente. Ele de fato sonhava. Ele sonhava que um dia seria capaz de se mover e, assim, com alegria e em um ritmo acelerado, voltou para a casa do cachorro. Ninguém apareceu na porta. A realidade era que a perna do robô havia sido serrada por um menino mau. Em seguida, ele foi desenterrado pelo zelador e enviado para o ferro-velho, com o corpo completamente despedaçado. Por sorte, o Mestre Guaxinim gosta de coletar essas peças de máquinas e encontrou parte do corpo do robô no ferro-velho e o remontou, de modo que o robô se tornou um novo robô musical. O guaxinim vive com ele e eles são inseparáveis. Sonho de robô O cachorro não encontra o robô na praia e tem um novo amigo, um robô amarelo. O homenzinho amarelo também pega a mão do cachorro. Caloroso e comovente! Se eles não se encontrarem novamente, eles se esquecerão um do outro a partir de então, e a emoção desaparecerá, certo? Mas com o robô no andar de cima e o cachorro na rua, como não se emocionar ao vê-los dançando a mesma dança? O robô desce as escadas correndo e, quando ele o alcança, sua mão estendida parece tão quente para mim. O coração certamente dói no momento em que o cão o reconhece e depois eles se abraçam! No final, se a vida nos fez sentir falta uns dos outros, vamos nos desapegar e valorizar o que temos agora!

Frio e Calor, Crime e Castigo em Folhas caídas

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Folhas caídas

Em 2023, no 76º Festival de Cannes, o diretor finlandês Aki Kaurismäki produziu um filme vencedor do Prêmio do Júri, Folhas caídas. Aqueles que gostam dele estão felizes por ainda ser o melodrama frio escandinavo especialmente criado por Aki, com uma teatralidade inabalável. Assista ao filme no YouCine! Há muitos recursos de filmes e transmissões de futebol ao vivo. O estilo artístico de Aki Kaurismäki Quem já assistiu a alguns dos trabalhos de Aki Kaurismäki conhece muito bem essa vibração. Não um mito nórdico, não um país desenvolvido com alto nível de bem-estar, mas sempre outro país nórdico sob as lentes de Aki Kaurismäki, onde o tempo parece ter parado nos anos 70 e 80 do século passado, onde a pobreza parece ser o pecado original e onde ainda há barbárie. À medida que os olhos do espectador se ajustam ao mundo sombrio e de cores frias, ele se dá conta dos negócios sujos escondidos aqui, dos olhos que se escondem nas sombras para observar e da solidão sem fim pela qual vagam os protagonistas das Folhas caídas, desapegados e sem sorrisos, mas dispostos a contar piadas muito frias para fazer alguém rir. A iluminação expressionista do cenário tem uma pompa sutil aqui, e você sempre pode encontrá-los em algum momento de pompa colorida em meio a uma vida sombria. Folhas caídas conta a história de Aki Kaurismäki em sua melhor forma. Alma Poysti interpreta Ansa, uma silenciosa catadora de supermercado, enquanto o personagem principal, Holapa (Jussi Vatanen), trabalha em um canteiro de obras e passa os dias consumindo seu “álcool medicinal” para se livrar da miséria. Eles se encontram pela primeira vez em um bar de karaokê, para onde o herói e a heroína são arrastados por seus respectivos amigos “sociais”, e inesperadamente trocam olhares; as duas almas solitárias tentam se aproximar, mas sempre há algum tipo de desventura. As duas almas solitárias tentam se aproximar, mas sempre há algum tipo de desventura, e o alcoolismo de Horapa se interpõe entre eles, mas, no final, o desejo de se aquecerem um ao outro supera tudo. Conflito emocional e resolução em Folhas caídas Folhas caídas é uma história simples, cheia de lutas obstinadas ao estilo de Aki Kaurismäki na lama do submundo. Anza está acostumado a sentir frio, vendo Holapa derramar vinho em sua xícara de café no refletor, vendo-o tirar a garrafa que carrega do bolso do paletó, mas também se oferecendo para lhe dar um beijo de despedida, lendo para ele e lendo para ele na cabeceira do hospital do comatoso Holapa. Fria por fora e quente por dentro, ela é sempre a mais corajosa em seu relacionamento. Esse charmoso senso de contraste também se reflete no humor frio das palavras frias usuais do filme. O diálogo entre os dois, Ansar e Khorapa, começa com uma preocupação inicial e passa a ser mais íntimo – em uma vida triste e sem esperança, meras palavras são pedras lançadas na correnteza das emoções. Depois de um jantar fracassado, Ansar reclama com uma amiga que Holapa está usando a casa dela como um bar, ao que a amiga responde “os homens são como porcos”, ao que Ansar a incita a “não insultar os porcos”; por outro lado, quando a amiga de Holapa pergunta como elas estão se saindo, Holapa se gaba de que elas estão “Por outro lado, quando o amigo de Holapa pergunta como eles estão, Holapa se gaba de que eles vão se casar e depois diz, desanimado: “Mas não consigo encontrá-la e ainda não tive a chance de perguntar o nome dela”. Além disso, o diretor dá muita atenção aos pequenos detalhes e à agitação da bagagem. Os pôsteres de filmes que adornam os interiores e os clássicos antigos que aparecem de tempos em tempos foram cuidadosamente escolhidos, a maioria de meados de 1900. O primeiro encontro deles foi assistir a The Walking Dead, de Jarmusch, um “elemento do diretor” que foi criticado por ter muitos clichês, mas Ansar diz: “Eu nunca ri tanto”, e se vira e nomeia seu cão de rua adotado Chaplin (o cachorro é uma participação especial do cachorro do próprio diretor, Alma). Temperatura emocional e iluminação do cenário Aki Kaurismäki é um mestre na criação de temperaturas emocionais, e isso também se reflete em suas preferências de cenário e iluminação; Folhas caídas tem cores grandes e de baixa saturação, compostas principalmente de tons frios em camadas com toques de calor, e cada quadro é tão harmonioso e bem trabalhado como se fosse uma pintura. Às vezes, o clima muito moderno e difícil de descrever lembra as pinturas de Edward Hopper, nas quais o personagem principal é sempre a luz, em um quadro silencioso, com uma espécie de solidão aberta, mas também revelando um certo clima de espera. A cena mais “brilhante” do filme é o jantar à mesa entre Ansar e Holapa, ambos coincidentemente mudando para cores quentes, iluminando a sala, simbolicamente. Depois que The Other Side of Hope (O outro lado da esperança), que conta a história de refugiados sírios, foi indicado ao Grand Prix no Festival Internacional de Cinema de Berlim e ao European Film Awards em 2017, Aki Kaurismäki disse que esse seria o último filme que dirigiria. No entanto, depois de seis anos, ele entregou Dead Leaves. Em entrevistas, o diretor se referiu a ele como uma sequência de sua “trilogia da classe trabalhadora” (Lone Shadow in Paradise, HMS Ascension e The Match Factory Girl), que ele fez entre 1986 e 1990, e assim chama a atenção para o contexto da recontagem após tantos anos. A expressão do sentimento antiguerra Em menos de cinco minutos do filme Folhas caídas, antes mesmo de Ansar e Holapa se conhecerem, as notícias sobre a guerra russo-ucraniana saíram do rádio e os atingiram nas duas pontas das ondas de rádio. Quando Ansar e Holapa finalmente se sentam à mesma mesa para jantar, Ansar não consegue deixar de se levantar, desligar o rádio e xingar as palavras: “Maldita guerra!” Uma espécie de grito … Ler mais

O estagiário começa a qualquer momento e pode ser brilhante

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O estagiário

O enredo do filme O estagiário segue Ben, um executivo aposentado de 70 anos, que se candidata a um emprego como estagiário em uma startup de comércio eletrônico de roupas e é colocado como assistente de Jules, a bela fundadora de 30 e poucos anos. Essa concepção de enredo é altamente eficaz em termos de conflito dramático. As conclusões desse filme O estagiário incluem pelo menos três aspectos do local de trabalho, das emoções e da vida. Assista a uma grande variedade de filmes no YouCine! O YouCine tem uma grande variedade de filmes, séries de TV, documentários, programas infantis e vários outros tipos de conteúdo de vídeo. O estagiário sobre o local de trabalho Ben é um exemplo de sucesso no local de trabalho. Embora o ponto de vista possa ser um tanto utilitário, o local de trabalho é um lugar onde você precisa criar valor constantemente. Afinal, o trabalho tem a ver com a criação de valor. Se eu tivesse que descrever o desempenho de Ben no local de trabalho em uma palavra, ela seria alta inteligência emocional. Como a alta inteligência emocional se manifesta, os pontos a seguir podem ser usados como exemplos e apoio. Entendendo as preferências dos líderes Ben perguntou a seu assistente quais eram as preferências de seu chefe antes de sua primeira reunião com Jules. Ele obteve duas respostas: a primeira foi falar rápido e a segunda foi aprender a piscar os olhos. Ben concluiu sua primeira reunião com seu chefe em dois minutos e piscou no momento crucial. Não saia do trabalho mais cedo do que seu chefe O proprietário de uma startup é aquele que trabalha mais duro, e não ser proprietário de uma startup também não é fácil. Tornar-se proprietário ou chefe de uma empresa dá a você uma ideia do que significa ter uma mente cansada e um corpo relaxado, o que significa que parece fácil e que você não está fazendo nada, mas, na verdade, você está tão estressado que não consegue recuperar o fôlego. Quando o chefe está no meio de um dia atarefado, ou tarde da noite depois de um dia atarefado, pronto para sair do trabalho, olha em volta e descobre que todos os seus subordinados saíram mais cedo do trabalho, como se sentiria? Portanto, não saia do trabalho mais cedo do que seu chefe. Ajude seus colegas, ajude as pessoas O local de trabalho de O estagiário é a existência do boca a boca, como o boca a boca de uma pessoa, depende do fato de ela gostar ou não de ajudar os colegas, de estar ou não disposta a ajudar os outros. Em O estagiário, Ben se oferece para ajudar um colega quando vê que é difícil para ele fazer uma entrega com um carrinho. Quando um colega se depara com um problema que não entende, ele oferece conselhos. Quando um colega está em sofrimento emocional, ele se oferece para dar seu conselho como uma pessoa que já passou por isso. Quando um colega não tem um lugar adequado para morar, ele o convida para morar com ele mesmo, o que é um tipo de aceitação. Quando a ex-assistente do chefe se sentiu desvalorizada depois de ter substituído algumas de suas funções, ela tomou a iniciativa de mencionar a assistente na frente do chefe. Isso é um pouco de cavalheirismo de guerreiro da estrada. Depois que a chefe enviou por engano uma mensagem de texto para o marido reclamando da mãe dela para a mãe dela, Ben sugeriu e implementou a ideia de organizar alguns colegas para invadir a casa da mãe da chefe como “ladrões”, encontrar um computador para excluir a mensagem de texto e quase foi preso pela polícia, que chegou depois de chamar a polícia, o que é ainda mais uma ajuda. Um senso claro de limites Isso é muito importante, mas também o mais difícil. Saber quando avançar e recuar em vez de apenas avançar. Como assistente do chefe, mantenha sempre um senso de consciência dos limites. Quando se deparar com o ex-motorista do seu chefe que está bebendo em um minuto e prestes a dirigir no outro, lembre-o e admoeste-o de maneira muito decente. Isso é um senso de limites. Apenas em termos de senso de limites no local de trabalho, Ben é um modelo para todos nós na série e um exemplo a ser seguido pela maioria de nós na realidade. Não há como alguém assim não ser bem-sucedido no local de trabalho, e esse certamente foi o segredo de seu sucesso nos últimos quarenta anos de sua experiência profissional. Só por isso, o verdadeiro estagiário do programa definitivamente não é ele mesmo, até mesmo seu chefe é uma espécie de estagiário, sendo chefe pela primeira vez. Sobre emoções O estagiárioBen é viúvo na velhice. Tem uma vida emocional e familiar satisfatória até a morte de sua amante. Como um homem de 70 anos, nesse aspecto, deve-se dizer que foi uma vida completamente sem arrependimentos. Mas a vida sempre precisa seguir em frente e olhar para o futuro. Depois de decidir me candidatar a essa empresa, conheci a massagista da empresa por acaso. Mais uma vez, ele encontrou coragem para começar uma nova vida emocional com essa massagista. Jules, como fundadora da empresa, é claramente uma mulher de carreira. Enquanto dedica quase todo o seu coração e alma à empresa, ela também deixa de cuidar de sua família. Para ajudá-la a iniciar seu próprio negócio, seu marido desistiu de seu emprego originalmente promissor para cuidar dos filhos em tempo integral. Depois, o marido teve um caso e acabou optando por voltar. Jules, por outro lado, por causa da traição do marido, chegou ao ponto de contratar um CEO para substituir a si mesma, voltando-se para a família e salvando as esperanças extravagantes de seu casamento. ben apoiou firmemente Jules para que ela continuasse firme em seu coração e em sua carreira, e que desistir de sua carreira não significava necessariamente que ela poderia salvar seu casamento. … Ler mais

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