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Godzilla vs. Kong: O fim do universo dos monstros não tem nada a ver entre você e eu

março 21, 2024 Por maria

A descrição acima não estaria fora de lugar no final de qualquer filme ou drama de dois heróis, mas é uma releitura não exagerada do final do blockbuster de efeitos visuais “Godzilla vs. Kong”. Quando o público que estava ansioso por uma batalha sangrenta entre Godzilla e King Kong viu este momento de “paz”, não ficou desapontado, não só gostou, mas também gostou. Baixe o youcine, assista a série completa de filmes e leve o cinema para sua casa. Após a versão insatisfatória de “Godzilla” de 2014 e “Kong: Skull Island” de 2017, seguida pelas ótimas críticas de “Godzilla 2: King of the Monsters” de 2019, ele pegou emprestado o super IP da Toho Co., Ltd. linguagem Legendary Pictures e Warner Bros. Pictures, que criaram conjuntamente o “Monsterverse” na China, obviamente descobriram gradualmente o verdadeiro significado do sucesso do gênero: entregar o Monsterverse aos monstros. Para enquadrar a racionalidade do encontro entre Godzilla e King Kong “Godzilla vs. Kong” estabelece enredos claros pertencentes aos dois monstros, respectivamente: Quanto a King Kong, o campo de cientistas usa garotas de linguagem de sinais para se comunicar com ele de boa fé e, em seguida, explora as emoções da casa de King Kong e “o Força” nas profundezas do centro da terra. Livro; Quanto a Godzilla, é uma história de aventura adolescente sobre uma garota inteligente liderando um denunciante “estranho” e um colega de classe “desperdiçado”, colidindo acidentalmente um com o outro e descobrindo uma conspiração maligna. Ao contrário dos trabalhos anteriores do MonsterVerse, que tinham tramas ramificadas mistas ou cenários literários e dramáticos redundantes, esta “coleção” que reduz significativamente o número de papéis humanos limita firmemente cada ação humana e até mesmo pensada em dois eixos narrativos. Independentemente dos cientistas íntegros e dos empresários malvados que representam a elite humana, ou das esperanças humanas, principalmente adolescentes, cheios de boa vontade, espírito de exploração e descriptografia, eles são todos tão pequenos diante do enorme poder do monstro. A impotência e a estupidez do ser humano estão condensadas e concentradas, e o que resta é naturalmente uma época de sonho para o gênero de filmes de monstros e seus fãs. Embora os métodos de efeitos especiais usados para construir gigantes e destruição tenham sido remodelados para níveis de ponta, o “simples e bruto” “Godzilla vs. Kong” ainda restaura o brilho da alma do gênero que pertence à era da “fotografia especial”. . Sucessos de bilheteria de monstros contemporâneos que são excessivamente extravagantes em comparação com personagens humanos A simples produção de “fotografia especial” faz com que o protagonista absoluto do filme se concentre no próprio monstro. Durante a batalha, monstros como Godzilla têm julgamentos antropomórficos de consciência subjetiva e, no processo de reflexão sobre a radiação e as crises de guerra causadas pelos humanos, confrontam a consciência humana que domina o mundo. Nesse “filme original” – a versão de 1962 de “King Kong vs. Godzilla” que nasceu da tendência de mash-up que era popular na indústria cinematográfica asiática da época, a imagem de King Kong inserindo uma árvore no corpo de Godzilla boca se tornou um meme atual. Um must-have para pessoas bobas e fofas. E a ação de “quebrar a boca”, semelhante ao teste de ácido nucléico, também tem contrapartida na “nova versão”. E mesmo o “Shin Godzilla” auto-reiniciado de Toho em 2016, que se concentrava na sátira política, fez de Godzilla, que foi despertado pela explosão nuclear de Fukushima, um fantasma dos tempos, realizando a vingança mais absurda da política humana. Isso confirma o valor de monstros como sujeitos reais. Esta é uma expressão antropomórfica de anti-humanidade, e a mais óbvia em “Godzilla vs. Kong” é o aparecimento de Mechagodzilla. Esta arma feita pelo homem, que estava fortemente protegida no trailer, substituiu oficialmente o vilão humano por sua maneira legal de se livrar do controle dos mechas humanos, e se tornou o objeto empático do tema do ódio na “Batalha de Dois Heróis”. “estrelado por Godzilla e King Kong. Mechagodzilla em “Godzilla vs. Kong” O que deixou muitos espectadores “animados” foi a sensação de CP que Godzilla e King Kong sentiram durante e após sua colaboração para derrotar Mechagodzilla. E esse atributo “fofo” que faz o público querer acreditar também comprova o sucesso do filme no antropomorfismo do protagonista. King Kong, que é a única linha emocional remanescente entre humanos e monstros, na verdade rompeu deliberadamente alguns laços humanos durante a adaptação do Universo Monstro – você sabe, na versão original de 1933 do filme “King Kong” e no remake de 2005 , o que leva a história ao seu clímax é o amor entre espécies entre King Kong e mulheres humanas. Disponível em “King Kong: Ilha da Caveira” O Universo Monstro, que não tem intenção de continuar a história “ortodoxa” de King Kong, abandonou completamente essa conexão “pessoal”, em vez disso, usa uma emoção de “grande amor” que é de natureza universal, permitindo que King Kong mantenha seu equilíbrio com o mundo como guardião da humanidade. Os gestos especiais da menina surda-muda tornaram-se a única linguagem através da qual os humanos e King Kong podem se comunicar diretamente. Mas na frente de Godzilla, que originalmente tinha uma chamada “rixa”, a maneira de preencher a lacuna entre os monstros é apenas uma olhada. Sendo o campo de batalha final do filme, a cidade de Hong Kong é também a ancestral das imagens cyberpunk, abrindo um novo capítulo no universo dos monstros com a textura futurística dos raios de néon. Além do enorme outdoor de uma determinada marca que tem causado reclamações generalizadas, esse uso “deliberado” de elementos chineses sem a participação de atores chineses como Jing Tian dá ao Monster Movie Universe um equilíbrio natural que transcende a divisão Leste-Oeste. O suspense de “quem pode vencer”, que foi o foco principal do período inicial de promoção do filme, não pareceu ser importante depois que Godzilla e King Kong se esqueceram. Afinal, quem realmente se preocupa com o chamado ganhar ou perder não é qualquer monstro que o ser humano supõe que … Ler mais

“Wish” da Disney é um sucesso? 2024 Super arte e animação não conseguem salvar o enredo?

março 19, 2024 Por maria

O tributo da Disney à obra-prima “Wish” já está nos cinemas! Que coisas maravilhosas acontecem quando a vontade de um homem corajoso se combina com a magia das Wish? Baixe o youcine, assista a filmes originais e obtenha mais recursos de filmes. Façam juntos um “Wish”, embarquem em uma aventura com Asha e sintam o poder de realizar sonhos! ‘Wish’ da Disney é uma comédia musical totalmente nova Leve o público ao reino mágico de Rosas. Lá, a perspicaz idealista Asha faz um desejo tão poderoso que é atendido por uma força cósmica – uma pequena bola de energia infinita chamada “Wish”. Juntas, Asha e as Wish enfrentam um de seus inimigos mais poderosos, o governante do Reino de Rosas, para salvar sua comunidade e provar que coisas maravilhosas podem acontecer quando a vontade de um humano corajoso está ligada à magia das Wish. acontecer. O filme é dirigido pelo diretor vencedor do Oscar Chris Buck (Frozen, Surfer, Tarzan) e pelo diretor de cinema tailandês Fon Villasenthorne, e Wishdo por Peter Del Vejo e Juan Pablo Reyes Lancaster Jones atua como produtor. Jennifer Lee atua como escritora, produtora executiva e diretora de criação de animação. Esses diretores e roteiristas são todos membros da equipe criativa da série animada “Frozen”. Este artigo irá levá-lo aos bastidores da produção de “Wish” e obter uma compreensão aprofundada de “Wish”. A partir do desafiador processo de produção, inspiração para a história, visão artística e outros aspectos, procuraremos os “Ovos de Páscoa” que homenageiam esta obra-prima centenária. O processo de preparação de “Power for Love” Este é um filme que homenageia a Disney e uma obra-prima para os fãs da Disney. A diretora de criação da Disney, Jennifer Lee, começou a desenvolver Wish como uma história original em 2018 para comemorar o 100º aniversário da Disney. Ela queria celebrar as conquistas contemporâneas da Disney contando uma nova história. Lee rapidamente trouxe seu colaborador de longa data Chris Buck, que co-dirigiu Frozen e Frozen 2 com Lee. Barker conta história dos bastidores em entrevista Quando os dois assistiram cenas de filmes clássicos da Disney, descobriram que “fazer um desejo” e “bênçãos” são enredos clássicos e componentes dos filmes da Disney. Isso também fortaleceu sua determinação de pensar na Disney através da história de “Wish” .Idéia de homenagem. Filmes clássicos da Disney A produção do filme começou antes da pandemia e durou 5 anos durante toda a pandemia. A equipe teve que trabalhar em casa devido à epidemia e continuar acompanhando a produção de animação em casa. Somente quando a epidemia terminou, no período posterior, a equipe conseguiu se reunir novamente e continuar fazendo filmes. Este filme não é apenas uma homenagem de 100 anos à Disney, mas também cheio dos fãs mais apaixonados da Disney – o amor do Estúdio Disney pela Disney. Inspiração para histórias e ideias para enredos A história acompanha Asha, uma jovem idealista que vive no Reino de Rosas (situado perto da Península Ibérica) e que não tem a certeza de qual caminho quer seguir na vida. Ela tenta se tornar aprendiz de um mago que realiza desejos chamado Rei Magnifico, mas percebe suas habilidades mágicas e começa a ver coisas que ela não gosta. A partir daí, ela deve reimaginar como seguirá em frente em sua vida, o que ela faz com a ajuda de um personagem mágico chamado Star. Quando a equipe criou a personagem Asha, eles a estabeleceram como alguém com quem o público poderia se identificar desde o início. Como a maioria de nós, a princípio ela não sabia o que queria e estava muito confusa. O público pode ver sua própria sombra em Yasha e também pode extrair dela a força para perseguir seus sonhos. Esse também é o tema que este filme deseja expressar. Juntamente com Star, Asha enfrenta o seu inimigo mais poderoso, tentando derrubar o governo de Manifico e salvar a sua comunidade. Durante a jornada, à medida que a dificuldade aumenta, também podemos vê-la fazer escolhas mais maduras e ficar mais determinada. Esta é também a imagem clássica da heroína da Disney que a equipe e o público desejam ver. Design único Alguns designs e cenários especiais também são adicionados ao filme para tornar a apresentação da história mais ao estilo “Disney”. Bola de Energia Cósmica – Wish A Wish dos desejos é uma imagem clássica que aparece nos filmes da Disney. “Wish” significam esperança, e muitos personagens fazem desejos para elas. Não importa onde estejamos no mundo, podemos sempre olhar para as Wish e há sempre algo que nos guia e onde podemos colocar a nossa fé e esperança. Por isso, a equipe montou “Star” como um amigo de confiança para acompanhar Asha, esperando que fosse significativo em todas as cenas e ao lado do personagem, e fosse mágico, com um toque de pó de fada. As Wish foram originalmente desenhadas à mão com a intenção de comemorar o 100º aniversário do Estúdio Disney. Mas teria sido difícil criar animações desenhadas à mão das “Wish” ao longo do filme, então a equipe decidiu usar esse estilo inspirado no desenho à mão para criar as Wish usando a tecnologia CG. A partir do teste de Wish desenhadas à mão, os animadores descobriram que as “Wish” estão na verdade no mesmo mundo e dimensão que outros personagens. Comparação entre “Wish” e o mundo onde vivem outros personagens Os cineastas queriam transmitir energia, esperança e luz da forma mais simples e pura possível. Eles também decidiram que seria mais eficaz fazer as Wish imitarem personagens. Isso é algo que a Disney fez bem ao longo de sua história. O público se apaixonou por esses personagens visuais – eles puderam dar-lhes sua própria voz. Todos nós precisamos de uma estrelinha em nossa vida.

A redação de comentários do filme de suspense The Bourne Supremacy 4 ainda é incipiente, como abrir suas asas

março 19, 2024 Por maria

O filme americano de ação/aventura/suspense “The Bourne Supremacy” foi lançado em 2012. Foi dirigido por Tony Gilroy e escrito por Dan Gilroy e Tony Gilroy. O filme conta a história de Jason Bourne. Outro agente da CIA, Alan Krause, irá também estar em perigo. Baixe o youcine para assistir ao filme inteiro e tenha acesso a diversos recursos do filme. Por causa do “Incidente de Jason Bourne” A operação de espionagem “Treadstone” da CIA foi tornada pública. Para ocultar outras operações de espionagem, a CIA, chefiada por Baia, planeia erradicar as operações de espionagem que se desenvolveram nas últimas décadas, incluindo a operação “resultado”. e mudanças intelectuais ” Alan Krause, o agente “avançado” “Nº 5”, embarca em uma fuga global. A única esperança que resta para Ellen Krause é o pesquisador científico Dr. Martel (interpretado por Rachel Weisz), que tem monitorado e estudado suas atividades nos bastidores nos últimos quatro anos… A maioria dos fãs de cinema mais velhos já teve a experiência da racionalidade dando lugar à emoção, como aqueles “clássicos” que assistiam na infância. A maioria deles não vai mais te surpreender quando forem revisitados, mas há um sentimento especial que não pode ser deixado de lado. Não importa o quão requintado seja o remake, ele é melhor do que Não é tão divertido quanto aquelas coisas ásperas trazidas de volta naquela época. O autor, assim como a maioria dos fãs de Bourne, não acha que a primeira trilogia de “The Bourne Supremacy” tenha muitas chances de ser superada. Diante disso, já nos preparamos para o “Quarto Episódio” com uma grande mudança de criadores, e pretendemos tratá-lo com os olhos abertos tanto quanto possível, tratando-o como um capítulo independente e evitando comparação com os três primeiros . Infelizmente, pouco depois de entrar no teatro, essa ideia foi completamente abandonada. Os criadores de “The Bourne Supremacy” eram tão “nostálgicos” que foi realmente impossível para mim não pensar nisso como uma “sequência”. The Bourne Supremacy “De Volta dos Mortos” de Simon Rose Tudo começou com a “ressurreição dos mortos” de Simon Rose, e então o astuto Dr. Albert Hulse apareceu no vídeo da Gangue Youtiao para conversar e rir. O Sr. Byrne não perdeu tempo em fazer uma “aparição especial” no noticiário. ao mesmo tempo, palavras como “pedra de tropeço” e “tubo preto” continuavam aparecendo no diálogo. Vários destaques de ação transformaram o arroz frio dos três primeiros episódios em uma grande panela. Quando Klaus resgatou a médica, ele correu na escada em espiral, que era muito semelhante ao trabalho que Bourne fez no clímax do primeiro episódio. O telhado de Manila A corrida é muito semelhante à perseguição de Tânger no terceiro episódio. O policial tigre de papel é facilmente afastado, e então os protagonistas masculinos e femininos trabalham juntos para lidar com o tenaz e silencioso assassino de vilões. Quando a motocicleta entra no multidão, parece levar as pessoas de volta a Paris há dez anos. Os melhores momentos de The Bourne Supremacy 4 Depois que a poeira baixou, tanto Noah Watson quanto Pamela Landi foram revelados. O primeiro foi julgado em tribunal e a segunda foi cercada por repórteres. Assumiu o final do terceiro episódio, mas isso pertence ao drama. O espaço em branco é deixado para o público imaginar. O único propósito de filmar é mostrar pela última vez que este filme e as três “histórias principais” estão no mesmo mundo. Na verdade, se olharmos para trás e estudarmos o título, deveríamos ter visto o quão óbvia é a ambição deste episódio de ganhar dinheiro. O título do filme é traduzido literalmente como “O Legado Bourne”. Existe um romance de mesmo nome, escrito por outro autor no novo século, Robert Ludlum. Ele ainda tem Bourne como protagonista e não tem nada a ver com o filme. enredo do filme. Já que a adaptação de não-ficção pode definitivamente ser chamada de “Identidade de Klaus” ou “Pílulas de Klaus”, por que você ainda tem que se agarrar ao colo de Bourne? De qualquer aspecto, “A Supremacia Bourne” é como gritar a plenos pulmões: “Eu sou a sequência ortodoxa! Compare-me com os três primeiros!” Esse grito é realmente autoinfligido. Sob a luz da trilogia, Even os poucos pontos positivos restantes são difíceis de encontrar. Cada episódio da primeira trilogia tem duração limitada a duas horas, separando as pistas complicadas e confusas dentro do espaço limitado, e conseguindo o melhor equilíbrio entre “suspense denso” e “fácil de entender”, ao mesmo tempo que leva em conta muito de cenas de ação de tirar o fôlego. O filme tem 135 minutos de duração e é óbvio que as sequências de ação são insuficientes, então o enredo é mais complicado? Não só não é, mas pode ser resumido em uma frase: quando o tubo preto foi exposto, isso também afetou o plano de “Colheita”. A alta administração em pânico queria eliminar todos os agentes e experimentadores. Um homem e uma mulher que escapou por acaso trabalhou duro para escapar da perseguição. Esta é simplesmente uma história de sobrevivência onde você me persegue e eu fujo. Não há memórias iminentes para encontrar, nenhuma vingança pelo assassinato de sua amada esposa, nenhuma organização conspiratória escondida nas profundezas da CIA para desenterrar, e Klaus não tem chance de descobrir. sendo como seu antecessor, Tio Like En, ele contra-atacou e foi direto para Huanglong. Claro, acredito firmemente que não faltarão tais cenas na sequência, mas o prólogo de 135 minutos é muito longo. Pense nisso por um momento O filme é exatamente como a versão real de “O Incrível Hulk” de Edward Norton. Veja: também é um homem que precisa de um certo remédio (para suprimir a aparência do Hulk) e uma mulher que entende de ciência, mas é tímida. , unindo forças para lutar contra o governo (militar), ele escapou por pouco dos perseguidores e finalmente matou um inimigo que também era um supermestre (Blonsky transformado em gigante), e sua vida estava temporariamente segura. Como mencionado anteriormente, esta história elimina qualquer conexão com Bourne e … Ler mais

2024 O clássico filme de espionagem coreano Assassinato 2015, a lenda de vida ou morte de uma super agente feminina

março 14, 2024 Por maria

Depois que o filme de espionagem coreano “Assassinato” foi lançado, ele se tornou um dos filmes mais assistidos na Coreia do Sul e quebrou muitos recordes. Ao mesmo tempo, recebeu muitos elogios no Festival de Cinema de Berlim e se tornou uma obra-prima com ambos caixa sucesso no escritório e no boca a boca. Baixe o youcine para assistir filmes de todo o mundo e leve o cinema para casa. Então, qual é exatamente o mistério deste filme que tem o assassinato como tema? A perspectiva de “ver o grande a partir do pequeno” O filme é baseado em Xangai em 1933 e na capital da Coreia do Norte ocupada pelo Japão. Três pequenas pessoas desconhecidas formaram uma equipe de assassinos para assassinar oficiais militares japoneses e um empresário pró-japonês. Esta foi uma missão imperceptível entre as inúmeras missões de assassinato durante a Guerra Antijaponesa. Como disse Jun Ji-hyun no filme: “Uma ou duas pessoas não podem mudar nada, mas pelo menos isso diz a todos que ainda existem pessoas que persistem”. aumentou muito a textura histórica da trama. Isso reflete a falta de unidade durante a Guerra Antijaponesa na Coreia naquela época. Havia muitas facções que dispersaram o poder. O fenômeno dos agentes duplos era generalizado. Alguns deles ainda conseguiram ocupar cargos importantes na polícia, mesmo depois de a vitória da Guerra Antijaponesa. Eles também se autoproclamaram heróis de guerra e foram condenados em tribunal. Inocente. Esses detalhes sem dúvida agregam credibilidade e realismo ao próprio filme. Altos e baixos, enredo interligado – Assassinato O filme é composto por seis missões de assassinato em série. Yeom Suk-jin, interpretado por Lee Jung-jae, foi a primeira pessoa a realizar a missão de assassinato. No final, a missão falhou e ele foi preso e perdeu um dedo. Lian Xizhen apareceu novamente em Xangai. Para assassinar autoridades pró-japonesas, como capitão do Departamento de Polícia do Governo Provisório, ele encontrou três pessoas: o atirador do Exército da Independência, An Woyun, o especialista em explosivos Huang Desan e o graduado da Academia Militar de Xingxing, “arma de fogo rápido”, Qiu Sangwo, e providenciou para que eles formassem um Esquadrão de Assassinatos. No entanto, enquanto Yeom Seokjin organizou uma equipe de assassinato para assassinar altos funcionários japoneses e figuras pró-japonesas, ele também agiu como um espião para revelar a missão aos japoneses e contratou “caçadores” para assassinar três membros de sua própria equipe de assassinato. . A equipe de agentes especiais do Governo Provisório começou a duvidar de sua identidade devido ao fracasso da missão de assassinato, e emitiu uma ordem de assassinato para executar Yeon Seok-jin no local caso ele se rebelasse. O último assassinato ocorreu dezesseis anos depois. Depois que Yeom Suk-jin foi absolvido, An Wo-yun e seus ex-camaradas realizaram a missão de assassinato naquele ano. No início do filme, Yeom Suk-jin, que já se tornou uma figura lendária entre os agentes devido aos seus feitos heróicos naquela época, recebeu a ordem de formar uma equipe de assassinos para realizar um assassinato. A maioria dos filmes de espionagem geral ou longas-metragens de conspiração de assassinato param aqui: o enredo pode seguir esta linha principal, adicionar algumas dificuldades e obstáculos, continuar a desenvolver-se até o clímax e, finalmente, ter um final feliz ou trágico. Neste filme, a crítica do assassinato e o enredo do atual assassinato são apenas uma introdução. À medida que a trama se desenvolve, a identidade de Yeon Seok-jin como agente duplo gradualmente vem à tona, e a missão de assassinato originalmente simples torna-se complicada e confusa. A complexidade do filme se expandirá infinitamente a partir daqui. E tudo foi desencadeado pela dupla identidade de “Yeon Seok-jin que perdeu um dedo”. O louva-a-deus espreita a cigarra, seguido pelo papa-figo. O filme se desprende passo a passo do casulo em uma atmosfera tensa e intensa, revelando a identidade e o verdadeiro coração dos personagens, um método narrativo típico dos filmes de espionagem. Porém, o diretor coreano que se atenta aos detalhes não se apoiará apenas no corpo principal da história, mas também promoverá o desenvolvimento da trama por meio de diversos close-ups. Por exemplo, o lenço ruivo dado pelo protagonista masculino à heroína do filme não é apenas uma cor brilhante nas roupas escuras da heroína An Woyun, mas também um adereço importante para o avanço da trama. Personagens encorpados No meio do filme, três personagens são apresentados um após o outro: o agente duplo Yeom Seok-jin, o líder do esquadrão de assassinato An Wo-yun e o assassino de recompensas Hawaii Pistol. No contexto histórico da Guerra Antijaponesa, três homens e mulheres do mesmo país, devido à perda do seu país, precisaram de tirar vidas, ou mesmo sacrificar as suas próprias vidas, para conquistar o direito de existir para si e para os seus país. As posições e valores de vários personagens são completamente diferentes, tornando o contraste entre os personagens bem distinto. O roteirista criou identidades duplas interessantes para todos os três personagens. Depois que sua irmã gêmea foi morta por seu pai, o atirador do Exército da Independência, An Woyun, escolheu fingir ser sua irmã Mitsuko, que foi criada por seu pai, um rico empresário pró-japonês; Yeom Suk-jin, membro do Exército da Independência, escolheu servir o governo japonês como espião para sobreviver; o Havaí era originalmente um membro da Aliança que matou seu pai e se tornou um caçador de recompensas após o fracasso da missão. É esse tipo de dupla escolha que torna o coração de cada personagem rico e complexo, deixando o público cheio de simpatia e pena por eles. É claro que, em dramas de espionagem, é quase inevitável que múltiplas identidades estejam envolvidas e os agentes precisem se disfarçar para se esconderem. Portanto, o destaque da configuração dos personagens reside em saber se suas identidades são razoáveis e criativas. Por exemplo, a proprietária do bar em “Assassination” é uma típica trabalhadora clandestina, enquanto em “Secret and Great”, ela completa missões de espionagem como uma tola e uma guitarrista. O uso de identidades mais óbvias e mais … Ler mais

Qual é o prêmio do Oscar 2024?

março 14, 2024 Por maria

Momentos marcantes do Oscar Vamos começar com uma breve visão geral do Oscar. O Oscar deste ano teve um tipo diferente de tendência pesada na abertura. O YouCine oferece recomendações personalizadas, interação social, downloads off-line e muito mais para facilitar a localização e a exibição de seu conteúdo favorito. Jimmy Cammer abriu o show com uma referência à greve de Hollywood do ano passado, que durou 118 dias, com uma pequena piada: “Uma inteligência artificial pode escrever o roteiro de ‘Transformers 7’? Com certeza”. Trata-se, de fato, de uma piada de humor negro Os roteiristas venceram a greve, mas a sombra que paira sobre os roteiristas e a indústria cinematográfica ainda não se dissipou. Essa sombra não se refere apenas aos salários dos roteiristas e à IA, mas ao futuro do cinema. Outro destaque foi a aparição de um velho conhecido do público chinês na sessão comemorativa dos cineastas: Michael Gambon, que interpretou Albus Dumbledore em Harry Potter. Isso mesmo, aquele que tem uma grande semelhança com Ian McKellen, que interpretou Gandalf em O Senhor dos Anéis. A morte de um professor gerou uma onda de luto em seu círculo de amigos há um ano? Diga adeus ao antigo e veja o novo. O prêmio de Melhor Atriz deste ano foi apresentado por cinco atrizes que já haviam ganhado o prêmio, e a primeira asiática vencedora do Oscar de Melhor Atriz, Michelle Yeoh, estava entre elas. Que sorriso grande e doce. O que a idade traz para Michelle Yeoh é coragem, uma profunda conexão com a atriz em simpatia. E Stone recebeu essa coroa pela segunda vez após o Oscar de ‘La La Land’. Antes de fazer seu discurso de agradecimento, ela disse que seu vestido se estragou durante a apresentação de “I’m Just Ken”. De qualquer forma, ela nos mostrou como o poder dos sonhos é realmente incrível. Embora Oppenheimer (US$ 785 milhões) não tenha superado Barbie (US$ 810 milhões) na bilheteria mundial, Oppenheimer ganhou sete Oscars: Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Ator, Melhor Ator Coadjuvante, Melhor Fotografia, Melhor Edição e Melhor Trilha Sonora. Barbie ganhou apenas um: Melhor Canção Original. Houve muita comemoração: Nolan havia “conseguido o que queria” e o público em geral estava finalmente se conectando com a palavra “ótimo”. Mas o que mais? O que mais? O cansaço do Oscar Eis algo que não é novo e que talvez represente o que muitas pessoas pensam sobre o Oscar: este ano, Martin Scorsese passou despercebido pela premiação mais uma vez. Parece que todo ano no Oscar, Martin sempre foi uma força a ser reconhecida, provando o que significa ser um verdadeiro “corredor”. O Oscar deste ano é mais um 10 de 10 para Martin, depois de “The Irishman” e “Gangs of New York”. O velho Martin está cansado. Essa vida tem perseguido o Oscar com o Oscar, como a coragem do pai do sol, no impacto ininterrupto do Oscar, e aquele selo “10 menções 0 no”, como o Oscar lhe deu o título de “general sem sangue”. Isso é realmente desanimador. Além do cansaço de Martin, a apresentação do Oscar deste ano, com “96 anos de idade”, é simplesmente sem inspiração. O que queremos ver quando assistimos a um show de premiação? Em primeiro lugar, uma nova direção artística, para que possamos verificar por nós mesmos, e, em segundo lugar, a atitude dos organizadores, se ela é clara o suficiente. Em resumo, são duas palavras: estética. E esse aspecto é evidente. Pelo menos nesta edição do Oscar, que foi vista muito pouco. Por exemplo, Oppenheimer (13 de 7) e Poor Thing (11 de 4) foram indicados a mais Oscars este ano. No caso do primeiro, já havia um burburinho antes do Oscar e, aos olhos da mídia, Oppenheimer certamente seria o vencedor “indiscutível” do ano. Na época de seu lançamento, Oppenheimer já havia demonstrado as qualidades que o tornariam um “grande sucesso” em Hollywood e em todo o mundo, bem como as qualidades exclusivas do Oscar – uma história baseada na biografia de uma pessoa famosa que foi perseguida e finalmente recebeu um tratamento justo depois de lutar por ele. Tratamento justo; O filme tem grandes cenas, computação gráfica, explosões e, de preferência, filmagens emocionantes e de arregalar os olhos. Oppenheimer tem tudo isso. Mas, você pergunta, avanços artísticos? Desculpe, como fã de Nolan há muitos anos, Sir não acha que esse filme seja o auge de Nolan. E o último? Sim, o filme destila o “crescimento e a exploração” de uma mulher em um experimento social de alto conceito – “se a sexualidade desempenha um papel decisivo na percepção que uma mulher tem de si mesma e do mundo”. Um tema tão ousado, além do fato de Emma Stone estar mostrando todos os seus três papéis, fez com que esse fosse o melhor tema para a publicidade do filme. Pode parecer um trabalho pioneiro e muito ousado. Mas, além da atuação fora de série da irmã Stone e de prêmios técnicos como Melhor Maquiagem, não havia muito a ganhar. O Oscar pode acomodar essas exceções. Mas a suíte C ainda será reservada para filmes convencionais como Oppenheimer. Até mesmo o homem nu, o lado do rebanho, pode aparecer na cena. Ela não quer fazer nada “fora do comum” com os resultados da premiação. Talvez os índices de audiência subam. Mas não há dúvida de que essa será uma cerimônia de premiação do Oscar em que a lembrança não é sobre o filme.

Thriller de suspense “Mirage”: matando sua esposa e enterrando seu corpo, viajando no tempo e no espaço e reversões chocantes

março 12, 2024 Por maria

Filmes de suspense e suspense Esta edição traz para vocês o thriller de suspense “Mirage” de 2018, dirigido por Oriol Paul e estrelado por Adriana Ugarte. Baixe o youcine para assistir todas as séries de filmes e leve seu home theater para casa! Ao mesmo tempo, esta peça também foi escrita por Oriol Paul. Claro, quando seu nome é mencionado, a primeira coisa que vem à nossa mente é “O Convidado Invisível”. Como diretor e roteirista, Oriol Paul criou muitos filmes Uma obra-prima de suspense, incluindo filmes e séries de TV. Hoje falaremos sobre essa “Miragem”. O enredo da peça Em 9 de novembro de 1989, uma previsão do tempo estava sendo transmitida na TV. Uma tempestade estava chegando, durando até 72 horas. Então a TV começou a transmitir notícias sobre o Muro de Berlim. Todos prestam atenção neste horário. O diretor definiu deliberadamente 9 de novembro de 1989 foi o dia em que o Muro de Berlim foi desmantelado. A cena mostrava uma casa onde a TV estava ligada. Um menino estava gravando um vídeo cantando com sua própria câmera. Como sua mãe tinha que trabalhar no turno da noite, ela saiu depois de cumprimentar seu filho. Enquanto sua mãe ia embora, havia outra mulher sentada na beira da estrada, no carro. Houve relâmpagos e trovões lá fora, e a criança dentro de casa ouviu o grito do vizinho. Ele foi atraído pelo som e correu para verificar. Assim que entrou pela porta, encontrou a anfitriã deitada no chão, e o homem vizinho descia do segundo andar com uma faca. , o menino ficou tão assustado que saiu correndo rápido, mas foi atropelado por um carro assim que saiu correndo do quintal. Seu amiguinho e vizinho Otto também viu esta cena. O tempo volta para 2014. A heroína Vera e sua filha Glória acordam na cama de sua nova casa. Pela linguagem da câmera se percebe que elas acabaram de se mudar para cá e estão ao telefone com o marido David. Ela também a lembrou de convidar seu vizinho Otto para jantar. Quando a câmera girou, Otto, como capitão, estava uniformizado e conversando com sua mãe Clara, que enfatizava que a tempestade era exatamente a mesma de anos atrás. O que se segue é uma conversa simples com um vizinho Acontece que Vera e Otto se conheciam e tinham acabado de se tornar vizinhos, e Vera convidou Otto e sua mãe para virem ficar juntos. A cena transitou naturalmente para o hospital, e soubemos que Vera era auxiliar de neurocirurgia. Na preparação para a operação, sua conversa com o médico assistente também revelou o motivo pelo qual ela não continuou a estudar medicina: porque tinha que cuidar de sua filha e desistiu de oportunidades de estudos adicionais.Vera veio buscar a filha Glória no final do trabalho e trocou algumas palavras com os colegas e professores da filha. Quando chegaram em casa, o marido David também voltou. Eles encontraram uma câmera de vídeo e uma TV da década de 1980 em um depósito. Eles reproduziram a fita de vídeo e o conteúdo na tela era exatamente o garotinho do início do filme . David acidentalmente descobriu que esta fita de vídeo foi tirada neste dia de 1989. Com o trovão fora de casa, a velha TV começou a reproduzir a imagem sozinha, sem reproduzir a fita de vídeo. O conteúdo era por volta de 9 de novembro de 1989. Berlin Wall News . É hora do jantar – Mirage Seus amigos, Otto e sua mãe, vieram. David contou a Otto sobre a TV agora há pouco, e Otto começou a conversar. Acontece que o menino da foto se chamava Nick, e ele e Otto eram bons amigos quando eram jovens. Isso a casa era originalmente onde Nick morava com sua mãe e a cena em que o vizinho mata sua esposa no início do filme. Nick viu que ele contou a história de ter sido atropelado e morto enquanto escapava, e também inadvertidamente revelou que um raio atingiu o relógio de parede da escola no dia seguinte.Durante a história de Otto, sua mãe estava atordoada. À noite, David consultou na Internet a história de Otto sobre um vizinho que matou sua esposa e levantou uma questão: Por que o vizinho confessou, depois de ser preso, que planejava enterrar sua esposa assassinada no subsolo de seu matadouro? Vera quis mudar de assunto e encontrou uma caixa de fósforos nas calças do marido. Vera achou que o marido tinha voltado a fumar, então David prometeu não fumar mais e jogou os fósforos pela janela. Lembrem-se desse close, pessoal. Aí será correspondência mais tarde. À noite, a velha TV voltou a transmitir notícias sobre o Muro de Berlim. Vera acordou e seguiu o som até a TV. De repente, um garotinho Nick apareceu na TV, e Nick também descobriu Vera na frente da TV. Nick tentou dizer olá. Vera se assustou e quis fugir, mas provavelmente se lembrou das palavras de seu amigo Otto e voltou. Na foto, Nick observou pela primeira vez uma estação de trem na casa de Vera. Placa de pare. Durante a conversa, Nick foi atraído pela voz do vizinho. Quando Vera viu isso, disse a Nick para não ir até lá. Se ele fosse lá, morreria. Ela também disse que sabia que um raio atingiria o relógio na parede da casa. a escola deles amanhã. Nick estava em dúvida. Depois de Vera Depois de implorar com voz rouca, Nick salvou sua vida. Vera acordou no hospital no dia seguinte Ela se tornou uma neurocirurgiã assistente. Quanto a Nick, ele também viu o relógio da escola sendo atingido por um raio na escola. Vera veio à escola buscar a filha Glória e perguntou aos colegas e professores da filha, mas todos disseram que essa pessoa não existia. Ela foi procurar seu marido David, mas David não pareceu reconhecê-la. A câmera se voltou para Nick novamente. Como ele não trouxe a chave, Nick ficou temporariamente na casa de … Ler mais

Moonfall 2024: Não contando uma história de desastre, a história em si é um desastre

março 11, 2024 Por maria

Uma enorme exibição de visão de mundo Em relação a “Moonfall”, quando se fala em filmes-catástrofe, desastres e Juízo Final devem ter um motivo, que é o pano de fundo da história do filme. Esse pano de fundo percorrerá todo o filme, tornando-se o propósito das ações dos personagens e a introdução de todos os acontecimentos. Baixe youcine e assista a série completa de filmes originais. O que mais me surpreende em “Moonfall” é que, comparado a “2012”, ele tem um intervalo de tempo cada vez maior e um nível mais elevado de perseguição racial. A lua tornou-se a condição e a dependência para as pessoas e até mesmo para toda a matéria orgânica existir no mundo.Não é mais um simples corpo planetário, mas uma aeronave para o ser humano se salvar e viajar para longe. Ao mesmo tempo, os acontecimentos provocados pela Lua abrangeram até centenas de milhares de milhões de anos, num período tão longo foi acrescentado o elemento de confronto entre a inteligência artificial e o homem, o que é uma verdadeira “saturação de elemento”. É muito difícil apresentar uma visão de mundo tão ampla, a dificuldade não está apenas em termos de meios técnicos, como efeitos especiais, mas também em encontrar um ponto de entrada que possa ser aceito pelo público em um curto espaço de tempo. Comparado com “2012”, Roland Emmerich desta vez usou um método mais eficiente – a narração. A característica de usar a tecnologia para transportar informações mostra ao público essa grande visão do tempo na perspectiva da primeira pessoa, quando o protagonista precisa de um motivo para resolver um problema. Moonfall Como resultado, a linha do tempo de “Moonfall” não é mais uma narrativa sequencial única, mas múltiplas linhas do tempo ricas com uma extensão assustadora. Em segundo lugar, em contraste, Roland Emmerich desistiu de muitas coincidências e surpresas para criar diferentes fases da história e, em vez disso, aproveitou as características da revolução da Lua em torno da Terra para criar anéis regulares a cada revolução da Lua. Períodos de tempo e tempo os estágios permitem que os espectadores entendam mais claramente as causas e consequências de cada evento. Como “Moonfall” contém mais e mais ricos elementos tecnológicos, quanto mais ampla for a visão do mundo, mais fácil será para a teoria ser irracional. No entanto, Roland Emmerich é obviamente um escritor e diretor nato de filmes de desastre. Sob uma árvore tecnológica tão grande, cada detalhe e teoria proposta tem sua própria base correspondente. Embora seja inevitável criar algumas “tecnologias futuras” além do nível tecnológico atual, essas tecnologias ainda estão alinhadas com as teorias científicas. Quer sejam tão grandes como “Hollow Moon Theory” e “Man-made Moon Theory” que se tornaram populares nos últimos anos, ou tão pequenos como “LRO” que aparece na câmera, todos eles demonstram a busca de Roland Emmerich pela excelência em roteiros e fotos. A evidência também é uma razão importante pela qual este filme ainda faz tanto sucesso, embora tenha sido criticado como um “arroz frito”. Caracterização clara e distinta Voltando à questão que acabei de mencionar – sobre “Moonfall” ser criticado como uma “panela de arroz frito”, a minha atitude em relação a esta questão é negativa. O motivo mais importante é a caracterização dos personagens. Para um filme, se os eventos são o corpo do filme, então os personagens multifacetados são a alma do filme. Comparado com “2012”, “Moonfall” tem menos personagens importantes e é mais impressionante. Os personagens também são mais versáteis, o que os torna mais tridimensionais e estilosos. Simplificando, ao comparar diferentes experiências de visualização de filmes, o que mais me impressionou em “2012” foram os horríveis desastres naturais e o colapso chocante e o desespero que mostrou, enquanto “Moonfall” me fez lembrar que é a escolha feita por pessoas com identidades diferentes. , diferentes origens e diferentes conceitos quando enfrentamos desastres. O filme retrata repetidamente ladrões e ladrões diante de desastres, descrevendo sua grande tristeza e alegria ao ver notas e descrevendo seu egoísmo de matar pessoas e beber sangue para obter suprimentos materiais; ao mesmo tempo, o filme também retrata aqueles que sacrificam pequenos coisas para grandes ganhos. “herói”. Descreve as escolhas de vida e morte que enfrentam como indivíduos e no mundo, e descreve a sua grande justiça em deixar as suas famílias e viajar para o desconhecido. A queda da lua é apenas o pano de fundo de muitos desses eventos, como se o que Roland Emmerich quisesse contar não fosse a história do desastre, mas que o próprio conjunto desses eventos fosse o desastre. Dentre esses personagens, o mais impressionante deve ser o gordo macroestruturante. Como um dos protagonistas das três falas principais do filme, sua aparência e saída ganham designs únicos. Ao estabelecer um personagem, a identidade do personagem é o motivo pelo qual ele aparece na câmera. Como um homem gordo na escola que sofre de diversas doenças, autodidata na teoria do universo celeste e na teoria da megaestrutura, parece que cada característica É necessária para ele estar no filme. Sofrer de uma doença significa que ele precisa de um avanço em si mesmo, o que cria uma razão para ele pousar na lua e se sacrificar no filme; o auto-estudo de várias teorias cosmológicas permite que ele se junte naturalmente a este grande evento tecnológico de fundo, e naturalmente se tornar um lander.Um membro indispensável da equipe mensal; Estar na escola proporcionou-lhe a racionalidade para recolher informação, e Fatty tornou-se um dos seus protagonistas distintivos e reconhecíveis que o distingue de outros protagonistas, nomeadamente protagonistas masculinos e protagonistas femininos. Esta é uma das razões pelas quais penso que Roland Emmerich conseguiu criar outro grande filme. Ele abandonou o pensamento tradicional dos filmes de desastre, que passam muito tempo descrevendo desastres, e optou por usar desastres para mostrar os personagens, emoções e relacionamentos sob o desastre. Este é mais um grande avanço para ele, de “Regras da Arca de Noé” a “Moonfall”, e também está alinhado com a prioridade da narrativa nos … Ler mais

O filme Cruella me deu inúmeras surpresas 2024

março 8, 2024 Por maria

O filme “Cruella” me deu inúmeras surpresas As duas primeiras coisas que me surpreenderam foram o próprio filme, cuja narrativa clássica e estilo exagerado estavam perfeitamente coordenados. Cheio de loucura punk e excentricidade distinta, também escrevemos um artigo especial sobre isso. A outra vez foi com a personagem Cruella, ela era tão charmosa. Baixe o youcine e assista ao filme original diretamente. Claro, isso se deve ao charme da atriz Emma Stone. Ela desafiou o papel da Rainha das Trevas pela primeira vez e correspondeu às expectativas. Há muitos destaques para falar. Mas o que é igualmente importante é que, como vilã, Cruella raramente é vista como rica, tridimensional e subversiva, e pode ser considerada um exemplo na série de contos de fadas da Disney nos últimos anos. Portanto, embora eu já tenha escrito “Cruella” uma vez, ainda quero me concentrar no filme e falar seriamente sobre como o personagem Cruella é criado desta vez. Vá contra o velho e traga o novo Em relação aos personagens, o mais surpreendente em “Cruella, a Bruxa Negra e Branca” é que se trata de um cenário de dois vilões, e não existe uma pessoa “boa” absolutamente positiva. O mais óbvio é que Cruella e a Baronesa estão quase no mesmo nível: ambas têm um talento excepcional em design e uma criatividade devastadora. Mas a diferença é que se a Baronesa se conformar com a impressão consistente do público sobre os principais designers de moda, como ser extremamente estereotipada, fazer todos os detalhes e usar o seu capital natural superior como base para desperdiçar recursos, para ser franco, ela representa uma gênio em um determinado campo. Cruella está mais próxima de um “talento comum”, mais próxima do público e mais viva e mutável. Porque mesmo sendo filha biológica de uma baronesa e tendo o mesmo talento orgulhoso, o filme não limita Cruella a uma simples repetição de reencarnação fatídica. Em vez disso, ela usou a vingança e o assassinato da mãe como motivação psicológica e experimentou constantemente todo o processo de colapso, reconstrução e colapso novamente, e então ela integrou e criou uma mulher que se ergueu do zero e gradualmente se aproximou do traiçoeiro lado negro da natureza humana em meio aos altos e baixos da realidade. de Cruella. Embora Cruella seja naturalmente rebelde A moda antitradicional também vai contra as regras tradicionais, mas também é normal encontrar retrocessos e depressões. Isso se reflete especificamente no fato de que quando ela era Estella, ela mostrava sua singularidade em seu penteado desde criança, mas seu talento sempre foi apreciado apenas por seus amigos gangsters Jasper e Horace. Os recursos disponíveis eram suficientes apenas para desenhar alguns disfarces para encobrir roubos, e muitas vezes ele foi perseguido e preso.Ele viveu na inquietação e constrangimento próprios dos pobres. Antes de adormecer todas as noites, olhando para a parede coberta de desenhos e “Liberty” (empresa de moda), o filme também usa esse tipo de tristeza silenciosa de estar tão perto, mas tão longe, para mostrar a luta de Estella para enfrentar seus sonhos. . Mesmo depois de se tornar subordinado da Baronesa Os recursos são abundantes, mas seu talento em design tem sido repetidamente restringido e não é desenvolvido há muito tempo. Por exemplo, a obra original era bastante calma e antiquada, e o que a Baronesa usou para cortar com a tesoura foi o excesso de contenção; Mesmo que a personalidade de Cruella tenha surgido, o vestido vermelho que ela mostrou no baile foi adaptado do design clássico da Baronesa sem nenhum avanço, o que implica que alguns dos conceitos de design eram conservadores e inéditos. A formação do caráter de Cruella é obviamente longa e lenta, mas é nas sutis esculturas coloridas que o charme multifacetado de Cruella pode ser melhor percebido. O que é ainda melhor é que o processo iterativo de figurino ao longo do filme “Cruella, a Bruxa Negra e Branca” é exatamente o processo de plenitude dos personagens. Em primeiro lugar, há o desenho peculiar que muda de cor no fogo: o branco, o lado inocente, desaparece, enquanto o vermelho único é particularmente deslumbrante nos tons preto e branco. Simbolizando a fuga do sofrimento da realidade Representa também a primeira transformação da dócil Estela para a personalidade sombria da Vingadora Cruella; Para a segunda festa em Londres, ela usou um traje de motociclista com textura mecânica. O grafite “O Futuro” em seu rosto foi usado como máscara para enfatizar a sensação de tecnologia dura. Usar uma motocicleta em alta velocidade como ferramenta de entrada quebrou o costume ” elegância” da festa. regra. Não só implica a liberalização gradual dos conceitos de design de Cruella, mas também discute a constante colisão e redefinição de regras antigas e novas através do contraste com a baronesa vestindo um elegante vestido branco. A última festa de rock and roll foi a subversão definitiva das regras. As manchas pretas e brancas transformaram a vida em um enfeite da moda. Também indicaram que Cruella havia eliminado os obstáculos em seu coração, deixando apenas o desejo desenfreado de vingança. Em outras palavras, as roupas tornam-se, na verdade, portadoras da personalidade externa do personagem. Preto e branco, bem e mal, bem e mal, incluindo a ética inerente e o eu desapegado, são todos desconstruídos no papel de Cruila, e os múltiplos encantos de Cruella também são apagados dele. Triunfo da ambição Além da inovação, a personagem de Cruella destaca, na verdade, um espírito individual que beira a era atual, ou seja, a defesa da ambição. Da mesma forma, o filme também completa essa construção espiritual através das duas personalidades Estella e Cruella. A primeira mostra o dilema da ambição na realidade sombria, enquanto a última mostra a vitória para além de todas as restrições externas, como a ética e a moralidade. Estella é ambiciosa e prefere a ascensão do caminho das pessoas comuns.Ela lutou contra a opressão desde criança, mas acabou sendo expulsa e teve dificuldade para se libertar das restrições do sistema; Depois de ingressar em sua empresa ideal, ele foi repetidamente desprezado, … Ler mais

Godzilla 2: Rei dos Monstros | Este ainda é o mesmo monstro de 65 anos atrás?

março 7, 2024 Por maria

O monstro gigante “Godzilla”, popular em todo o mundo há meio século, foi refeito pela American Legendary Pictures. Naquela época, o filme alcançou grande sucesso comercial com seus majestosos efeitos especiais. “Godzilla 2” está de volta. Será que conseguirá continuar seu sucesso? Baixe o youcine e assista a versão completa. Tomoyuki Tanaka: A tragédia da bomba nuclear do Japão Em “Godzilla 2: Rei dos Monstros“, os humanos sabiam que Godzilla poderia equilibrar o ambiente ecológico da Terra e garantir a ordem da cadeia alimentar. Ao enfrentar o chefe final, a “criatura alienígena” Ghidorah, eles decidiram unir forças com Godzilla. . Em última análise, a estabilidade ecológica foi mantida e a Terra foi salva. Neste filme, Godzilla se tornou o “padroeiro” da terra e da humanidade. Na verdade, a imagem original de Godzilla, que nasceu durante a Guerra Fria, não era assim. Na visão do produtor Tomoyuki Tanaka, “Godzilla” é uma “combinação de gorila e baleia” – esse enorme monstro tem cinquenta metros de altura e pesa 40 mil toneladas. Seu “nirvana” – Respiração Atômica é uma chama radiante azul-avermelhada que pode destruir todos os objetos à sua frente. A respiração atômica do primeiro Godzilla O que é muito sugestivo é que a textura semelhante a um arranhão na jaqueta de couro de Godzilla foi inspirada nas cicatrizes dos sobreviventes do bombardeio nuclear de Hiroshima; Godzilla vive em uma área marítima contaminada pela radiação nuclear. O poder destrutivo das armas nucleares é uma manifestação externa de o enorme poder das armas nucleares e simboliza os danos causados pelas armas nucleares aos japoneses. O medo e a preocupação do povo japonês com o poder destrutivo das armas nucleares, bem como o trauma e o desamparo após ser atacado por armas nucleares, e várias emoções levaram ao nascimento de Godzilla. Portanto, nos primeiros trabalhos da série “Godzilla”, esse monstro destrutivo sempre apareceu como o vilão do “inimigo da humanidade”. Mas os filmes são, em última análise, um produto da superestrutura socioeconómica. O primeiro “Godzilla” alcançou grande sucesso comercial. Depois que seu antigo empregador, Toho, provou os benefícios, começou a tentar incorporar coisas populares e temas quentes da sociedade no filme. Tais decisões também mudaram indiretamente a “persona” de Godzilla na tela. Após a década de 1970, a popularidade das televisões domésticas teve um impacto significativo nas bilheterias de filmes. Além disso, à medida que a energia atômica começou a desempenhar um papel cada vez mais importante no renascimento do Japão no pós-guerra, o medo das pessoas em relação à energia atômica desapareceu gradualmente. , o medo das pessoas em relação à energia nuclear A mentalidade mudou de “resistência” para “exploração”. A mudança de conceito se reflete em Godzilla: Godzilla, que simboliza o poder destrutivo das armas nucleares, passou por mudanças nas obras após a década de 1970 – de “Rei da Destruição” a “Deus Guardião” da Terra. derrotar monstros do mal. Hollywood: ídolos americanos abençoados com efeitos especiais Este famoso monstro IP viajou através do oceano e veio para o Ocidente. O diretor Roland Emmerich, que dirigiu sucessos de bilheteria como “Independence Day”, comandou esta fera gigante. No entanto, como a adaptação do roteiro foi muito difícil, ele e seu irmão A mudança dramática na imagem de Silla resultou no fracasso do filme tanto em termos de reputação quanto de bilheteria. “Godzilla”, que já carregou a memória marcada da nação japonesa após a Segunda Guerra Mundial, foi polido pela indústria cinematográfica de Hollywood e pela tecnologia de efeitos especiais de computador e formou um nítido contraste com as capas de couro surradas do antigo “Godzilla” série de filmes. Ele completou um grande salto em termos de efeitos visuais, mas a conotação espiritual central original de “Godzilla” de “do medo da nova energia à coexistência com a nova energia” foi gradualmente diluída na cultura do entretenimento contemporânea com a transformação de Hollywood, e só havia pipoca espalhada pelo chão. Em 2014, Legendary Pictures e Warner Bros. Pictures uniram forças para abrir um novo capítulo na série de filmes “Godzilla”. Comparado com a versão de 1998, o nível de efeitos especiais deste filme surpreendeu o público. Com a bênção da tecnologia de efeitos especiais de próxima geração, “Godzilla 2” ainda tem um forte impacto na tela e uma impressionante visão de monstro. Godzilla, que surgiu do trauma da guerra japonesa, renasceu através da indústria cinematográfica de Hollywood e, nesse processo, seu significado simbólico foi eliminado pelos valores americanos. Quatro feras gigantes competem para ser o “Rei dos Monstros” em “Godzilla 2” É inegável que a representação dos quatro monstros em “Godzilla 2” é extremamente chocante. Cada um deles tem características próprias, podendo até ser dito que têm personalidades distintas. Algumas pessoas elogiaram o filme em termos extremamente lindos: “Godzilla é majestoso . É como se um deus descesse do céu; Mothra é colorida e extremamente bela. Assim como uma grande borboleta, pode ser chamada de a mais notável obra-prima da natureza. Ghidorah, o personagem monstro rebelde, é legal e dominador, com raios gravitacionais estrondosos; Rodon é majestoso de todas as direções, girando no ar e invencível, como uma roca abrindo suas asas. Alguns são chocantes, alguns são lindos, alguns são maus e alguns são justos.Todos os quatro monstros têm características muito distintas. As cenas de ação são devastadoras, os efeitos visuais estão no auge e a trilha sonora é emocionante. Cada quadro é épico. ”Isso pode falar aos sentimentos de muitos fãs de monstros! Com a ajuda da tecnologia avançada de efeitos especiais de cinema e televisão de hoje, os monstros viajaram entre arranha-céus, exibindo seus poderes mágicos, fazendo com que as montanhas desabassem e a terra caísse na escuridão. Foi extremamente chocante. Comparado com isso, quão pequenos e impotentes são os seres humanos. Essas emoções intuitivas ecoam o primeiro “Godzilla”. Este filme ainda tenta se conectar com o conceito central que a série “Godzilla” sempre enfatizou: “Quando a civilização tecnológica se desenvolve rapidamente e os desejos se expandem, a natureza irá contra-atacar e retaliar contra os humanos”. e bruto., várias falhas nos detalhes … Ler mais

The Mechanic: o durão de ação de Jason Statham, um livro sobre treinamento profissional para um assassino

março 6, 2024 Por maria

O filme “The Mechanic” é uma história complexa que combina matança e redenção, identidade e justiça. No filme, o protagonista Arthur Maury é um assassino que vive uma vida secreta e solitária, mas sua vida começa a mudar após conhecer a filha do alvo, Anna, durante uma missão. Baixe o youcine e assista ao filme completo. Identidade e conceito de justiça de Arthur O protagonista do filme “The Mechanic” é Arthur Maury, um assassino eficiente e calmo que vive uma vida secreta e solitária. No início do filme, Arthur é um assassino aparentemente de sangue frio. Ele executa várias tarefas sem hesitação de acordo com as necessidades de seus clientes. Seja assassinato, sequestro ou outras tarefas perigosas, ele pode concluí-las com facilidade. Ele viveu uma vida solitária, sem família ou amigos, e parecia não ter flutuações emocionais. A vida de Arthur começa a mudar após conhecer Anna, filha do alvo da missão. A bondade e a inocência de Anna tocaram o coração de Arthur, fazendo-o questionar sua identidade e carreira. Arthur começa a refletir sobre sua trajetória de vida e se deve continuar seguindo esse caminho sombrio de assassino. Inspirado por Anna, aos poucos ele entrou em contato com o conceito de justiça e começou a perceber que matar não era a única saída e que poderia haver uma possibilidade de redenção. A identidade de Arthur também se torna parte de sua luta interior Ele vive escondendo sua identidade e, mesmo quando se dá bem com Anna, esconde dela sua verdadeira identidade. Esse esconderijo fez com que ele se sentisse solitário e contraditório em seu coração. Ele ansiava por se livrar de sua identidade de assassino e encontrar um caminho para a justiça e a redenção. No filme, as ações de Arthur entram em conflito com seu conceito de justiça. No decorrer da sua missão, ele deve fazer escolhas morais e éticas sobre se deve continuar a matar ou encontrar outras formas de resolver o problema. Sua hesitação em matar e sua luta interior tornam seu personagem complexo e rico, ao mesmo tempo que fazem o público pensar sobre questões de justiça e moralidade. Ao longo da história, Arthur continua explorando e buscando, tentando encontrar um equilíbrio. Ele quer escapar do dilema de sua identidade e ao mesmo tempo luta pela redenção. Através da comunicação e do contato com Anna, Arthur gradualmente realizou seus verdadeiros desejos interiores e começou a enfrentar seus próprios desafios com bravura, tentando encontrar o caminho para a liberdade e a justiça. O filme “The Mechanic” apresenta um personagem cheio de complexidade e desafios através da exploração da identidade e do conceito de justiça do protagonista Arthur. No caminho para buscar a redenção, Arthur explora constantemente seus verdadeiros desejos interiores, mostrando um profundo processo de crescimento e luta. Através da criação desta personagem, o filme desperta o pensamento e a reflexão do público sobre justiça, redenção e identidade. O conflito entre matar e redenção O filme “The Machinist” é um thriller de ação sobre um assassino profissional. O protagonista, Arthur Maury, é um assassino implacável que aceita uma missão mercenária para completar missões de assassinato. Porém, durante uma missão, ele conheceu o filho de uma das vítimas, chamado Steve. O pai de Steve é morto pelas mãos de Arthur e Steve busca vingança. No entanto, sob a perseguição de Steve, ele gradualmente descobriu os segredos do passado de Arthur e descobriu seu coração complicado escondido por trás de sua identidade como assassino. Arthur está em conflito entre matar e redenção e começa a refletir sobre suas ações e a tentar compensar seus erros do passado. “The Machinist” é um filme emocionante que não apenas traz ao público cenas de ação emocionantes e tensas, mas também desperta o pensamento das pessoas sobre a moralidade e a natureza humana. Através da história do protagonista Arthur, o filme nos transmite uma mensagem profunda de que existe luz e trevas na natureza humana, e cada um de nós tem a oportunidade de escolher mudar a si mesmo e buscar a redenção e a salvação. A relação entre Arthur e Anna No filme “The Mechanic”, a relação entre o protagonista Arthur Maury e Anna é uma das tramas importantes do filme e um fator importante que afeta o rumo da vida de Arthur. O encontro entre Arthur e Anna foi um acontecimento acidental. Anna era um dos alvos de Arthur, mas durante a missão Arthur se interessou pela garota. Ele percebeu a bondade e a inocência de Anna, bem como seu amor e anseio pela vida. Arthur nunca teve um vínculo afetivo com ninguém, mas a presença de Anna cria um sentimento único nele. Com o contato com Anna, Arthur aos poucos abriu seu coração e começou a mostrar um lado diferente do assassino frio. Ele está disposto a acompanhar Anna e protegê-la de ameaças, ao mesmo tempo que demonstra carinho e carinho por ela. A inocência e a bondade de Anna contagiaram Arthur, o que gradualmente o colocou em contato com a busca pela justiça, a reflexão e a luta sobre sua própria identidade. À medida que o filme avança, os sentimentos de Arthur por Anna se aprofundam gradualmente, e ele começa a ter sentimentos reais por ela, não apenas um objetivo missionário. As emoções e lutas internas de Arthur o fizeram duvidar de sua identidade como assassino. Ele tentou escapar deste mundo frio e encontrar seu verdadeiro eu. O filme “The Mechanic” apresenta as complexas emoções e o processo de crescimento de um assassino através do relacionamento entre Arthur e Anna. As emoções e interações entre eles demonstram a profunda caracterização e desenvolvimento do enredo do filme. O aparecimento de Anna fez Arthur começar a pensar e buscar seu verdadeiro eu, ao mesmo tempo que lhe mostrou o poder do carinho e do amor. O desenvolvimento do enredo da história e o tema profundo do filme O filme “The Machinist” é um thriller de ação sobre um assassino cruel chamado Arthur Maury (interpretado por Jason Statham). O filme … Ler mais